Sabato scorso, durante l’AnimeJapan 2025, si è svolto un evento speciale per promuovere l’anime di Twisted Wonderland: Episode of Heartslabyul. Il trailer animato ha rivelato i nuovi membri del cast e dello staff di produzione, e la sigla di apertura della serie. La serie adatterà l’omonimo manga, a sua volta basato sul famoso mobile game uscito in Giappone nel 2020. Il gioco nasce da una collaborazione fra Disney Japan, Aniplex, Square Enix e f4Samurai. Character design e sceneggiatura sono invece opera di Yana Toboso, autrice del famoso manga di Black Butler.

Yōhei Azakami darà la voce a Yūken Enma, protagonista dei quattro tankōbon che compongono Episode of Heartslabyul. A differenza del videogioco, narrato in prima persona dal punto di vista del giocatore, il manga segue le vicende di differenti protagonisti, che cambiano in base al dormitorio che dà il nome all’episodio (Heartslabyul, in questo caso). Caratteristica comune a tutti i protagonisti è avere il nome iniziante con la sillaba Yū, nome che viene dato al giocatore se si sceglie di non inserirlo manualmente.

La premessa del manga e dell’anime è la stessa del gioco: Yūken, uno studente liceale campione di kendō che frequenta il liceo Hibari Metropolitan. Una sera di luna piena all’improvviso compare una carrozza nera che lo trasporta nella dimensione di Twisted Wonderland, presso il Night Raven College, una delle più prestigiose scuole di magia di quel mondo. L’inaspettato arrivo di Yūken interrompe la cerimonia di apertura del nuovo anno scolastico e lo smistamento dei nuovi studenti. Fra questi ci sono gli studenti del primo anno Ace Trappola e Deuce Spade del dormitorio Heartslabyul, i quali, assieme al piccolo demonietto Grim, diventeranno amici e compagni del protagonista.

Lo staff e il cast di Twisted Wonderland

Takumi Ozawa, il compositore del gioco, ha contribuito alla realizzazione di nuove tracce audio, e comporrà le musiche dell’anime. Esattamente come nel gioco, i Night Ravens canteranno l’opening della serie, “Piece of My World”. 

Fra gli altri membri dello staff, troviamo:

• Sub-character designer: Aki Tsunaki
• Color key artist: Nagisa Abe
• Art Director: Hiroki Matsumoto
• Direttore della fotografia: Takao Saito
• Editing: Michi Takigawa
• Sound Director: Miho Sugawara
• Music Production: Aniplex

Per quanto riguarda il cast della prima stagione, il trailer conferma il ritorno dei doppiatori già presenti nel videogioco:

• Natsuki Hanae: Riddle Rosehearts
• Seiichirō Yamashita: Ace Trappola
• Chiaki Kobayashi: Deuce Spade
• Ryōta Suzuki: Trey Clover
• Tatsuyuki Kobayashi: Cater Diamond
• Noriaki Sugiyama: Grim
• Mitsuru Miyamoto: Dire Crowley

La serie andrà in onda su Disney+ a partire dal prossimo ottobre, e sarà composta da tre stagioni, che copriranno i primi tre archi del manga e del gioco: Episode of Heartslabyul, Episode of Savanaclaw, Episode of Octavinelle. Non è dato al momento sapere se in futuro copriranno anche gli archi successivi.

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Le Yuru-Chara (o Yuru-Kyara, ゆるキャラ), sono le buffe mascotte spopolate nel Giappone moderno e contemporaneo, ma da dove arriva questo fenomeno virale e come si è evoluto col passare del tempo?

Incominciamo col dire che le mascotte in Giappone, non sono solo dei simpatici pupazzoni, bensì un vero e proprio elemento folkloristico del moderno Sol Levante; o almeno lo erano, ma questo è un dettaglio che affronteremo più avanti.

La derivazione storica del concetto di mascotte è dubbia, facciamo riferimento nello specifico all’idea moderna di morbido pupazzone di peluche, con fattezze sproporzionate e un testone da far invidia al Nuraryhon; se non sapete di cosa sto parlando fatevi una piccola ricerca e, già che ci siete, date un’occhiata al primo articolo della rubrica “Omoshiroi” qui.

Una cosa pare però essere certa, la parola Yuru-Chara deriva dal termine giappo-inglese: Yurui-Mascotte Character. Il termine sembra essere stato coniato da Jun Miura, un illustratore e scrittore giapponese che, quasi per scherzo, ha utilizzato questo termine per descrivere le neonate mascotte nei primi anni del 2000, dandoci un minimo di sicurezza spaziotemporale nel collocare la loro nascita ufficiale.

Un’estetica familiare

Da dove partire per ricostruire le origini delle Yuru-Chara? Abbiamo già posto come “data di nascita” delle moderne mascotte i primi del 2000, però non abbiamo ancora affrontato le radici della loro buffa estetica. Cominciamo col dire che Yurui in giapponese, un po’ come molte parole di origine nipponica, può voler dire diverse cose: letteralmente, tondo o morbido, aggettivi che descrivono bene le figure che stiamo trattando, mentre figurativamente potrebbe ricondurre a parole come goffo, maldestro o “sempliciotto”, di nuovo perfettamente in linea.

Da qui l’assonanza semantica propone facilmente un altro termine giapponese, che descrive un concetto abbracciato oramai non solo più dall’oriente: il kawaii. Il mondo delle mascotte nipponiche deve moltissimo a questa estetica nata negli anni ’70 del 900 e profondamente radicata nel folklore del paese. Ma da dove arriva il kawaii e perché ha influenzato così tanto il Giappone moderno in quasi ogni suo aspetto?

Potrebbe risultare superfluo indagare le motivazioni, da un certo punto di vista antropologiche e culturali, che hanno portato il Giappone moderno ad amare – quasi spasmodicamente – questo tipo di estetica; dopotutto parliamo di un qualcosa di superficiale e non di aspetti che influenzano direttamente l’attitudine etica, politica o filosofica del moderno Sol Levante. Eppure, così come potrebbe essere divertente, e sorprendente, indagare le motivazioni dell’importazione americana dell’estetica western in Italia, divenuta poi famosa nel mondo con l’appellativo “Spaghetti Western“, altrettanto sorprendente potrebbe essere indagare l’origine di questo fenomeno.

Il Kawaii: un fenomeno multigenerazionale

Come tutte le correnti, estetiche o concettuali, datarne un’origine non è possibile: è possibile però ricercare alcuni segni “premonitori” che annunciano l’arrivo di queste nuove derive concettuali. Per quanto riguarda il kawaii, ci sono un paio di cenni storici importanti che possono essere riconosciuti come quantomeno importanti per questo immaginario.

Il primo è datato 1600, siamo nel Periodo Edo, a identificare la nascita dell’amore del popolo giapponese per gli oggetti minuti in questo momento storico è Tomoyuki Sugiyama, presidente della “Digital Hollywood University”, lo stesso che ha coniato il termine Cool Japan – un concetto decisamente polarizzante, del quale non abbiamo tempo di parlare però. Sugiyama fa coincidere la nascita dell’amore nipponico per gli oggettini, con la nascita dei netsuke: piccole sculture in legno o avorio, utili a fissare dei porta oggetti all’obi, la tipica cintura del kimono, così da sopperire alla mancanza di tasche. Parliamo di sculture che non avevano caratteristiche da rispettare, se non la grandezza, quindi estremamente varie; una varietà tale da aver generato un mercato collezionistico importante nonostante l’epoca.

Un altro elemento dirimente nella questione, potrebbe trovarsi all’interno dello scritto “Note del guanciale” (枕草子 Makura no Sōshi) di Sei Shōnagon, dama di corte dell’imperatrice e, come di consueto nell’epoca Heian, scrittrice. Assieme a Murasaki Shikibu – autrice del “Genji Monogatari” (“La storia di Genji“) – è probabilmente l’autrice più importante di quel periodo storico. Entrambe le opere sono considerate classici della letteratura giapponese. All’interno del volume “Note del Guanciale“, Sei Shōnagon scrive: “in verità, tutte le cose piccole sono belle“. Forse un po’ poco per riconoscere un fenomeno antropologico, ciononostante rimane un aneddoto interessante, soprattutto se pensiamo che ci troviamo nell’anno 1000 ovvero, circa 600 anni prima dei netsuke.

Ormai dovrebbe essere chiaro che, anche se non abbiamo una data o un evento storico preciso a cui far riferimento, il “fenomeno kawaii” è tutto fuorché recente. Ma allora quando è diventato di entità tale da travolgere ogni aspetto della cultura giapponese prima e il mondo intero poi? In questo senso, gli anni ’70 sono stati l’arbusto sul quale l’innesto del kawaii è cresciuto rigoglioso ed ha presto dato i suoi frutti. In questo periodo, il concetto prende piede soprattutto fra i giovani grazie a due avanzamenti tecnologici nel metodo di scrittura: la diffusione dei porta mine, migliorati a inizio secolo proprio da un giapponese, e la diffusione nel paese della penna a sfera, nata diversi anni prima in Ungheria.

Queste tecnologie permettono a tutti i giapponesi di scrivere con maggiore agilità e rompono la ritualità tipica della scrittura giapponese: basta pensare allo “shodō“(書道), anche detto “via della scrittura”, l’arte calligrafica giapponese; molto più di una materia di studio o un hobby, ma una vera e propria forma di espressione artistica. Nasce di conseguenza un nuovo modo di scrivere che non segue regole e integra agli ideogrammi, lettere latine e segni grafici di ogni tipo, come faccine o cuori. Questa scrittura si caratterizza per la rotondità delle forme che le fa guadagnare l’appellativo di marui-ji, “scrittura tondeggiante“, o manga-ji, in quanto verrà spesso mutuata da alcuni fumetti (soprattutto nella categoria “shojo“).

Da qui il passo è breve e quell’estetica rotonda e minuta consolidatasi nella marui-ji, diviene ben presto un canone applicabile alle illustrazioni (sarebbe forse il caso di aprire una parentesi per quanto riguarda il termine chibi, ma eviteremo di farlo per penuria di tempo). Come sempre accade si generano diverse declinazioni di kawaii, fra le quali la più virale è quella che tutti noi conosciamo, che si identifica con l’appellativo Yuru Kawaii. Eccoci quindi giunti all’anello mancante fra le famose mascotte e l’estetica kawaii, così visceralmente legata a questo popolo, forse più di quanto vorremmo ammettere.

Le mascotte giapponesi fra religione e mitologia

Certamente l’estetica delle mascotte giapponesi è fortemente influenzata da quella kawaii: carina, minuta e sproporzionata. Nonostante ciò è chiaro che un fenomeno di questa portata non può essere nato dal solo amore per le cose “carine”. Difatti, la mania – non può essere chiamata in altro modo per i livelli che ha raggiunto – del popolo giapponese per la personificazione di oggetti e concetti, ha origini molto più antiche.

È giunto quindi il momento di aprire la parentesi mitologica, dalla quale non ci si può esimere quando si vanno a toccare dei temi intersecati con l’apparato culturale e antropologico di un paese. Dunque, sicuramente il primo aspetto da citare è la religione Shintō, pratica religiosa nativa del Giappone, politeista e animista: ovvero che possiede un insieme variegato di divinità, che in questo specifico caso si chiamano “kami“, nonché dalla credenza che ogni oggetto sia animato da qualità divine o soprannaturali.

La pratica religiosa Shintō ha dato vita a decine di kami e centinaia di altre creature, raggruppate principalmente sotto il nome di Yūrei – all’incirca i nostri fantasmi – e di Yōkai, un gruppo estremamente eterogeneo di creature (che spesso può lambire i confini con le altre categorie) che abitano una dimensione molto vicina a quella umana. Nonostante questi siano i due gruppi più famosi, molti altri tipi di creature girano attorno allo Shintō.

È chiaro come questa religione fatta di creature, spiriti e divinità che incarnano l’alternarsi del giorno e della notte, le tempeste e i temporali, la vita e la morte, sia esemplificativa della tendenza a personificare e spiegare qualsiasi fenomeno altrimenti “inspiegabile”. Forse è qui, infatti, che possiamo ritrovare il fulcro, il punto di partenza del grande fenomeno delle mascotte: quella strana tendenza umana di raffigurare “a propria immagine e somiglianza (a volte, più altre meno)” l’inspiegabile, così da darvi un senso.

Quanto è divertente pensare alle Yuru-Chara come delle moderne divinità, provenienti da un antico passato ormai dimenticato, senza più qualità soprannaturali – se non l’incredibile potere di generare (dio) denaro – corrotte fino al midollo da un virus inarrestabile (il kawaii) che le rende impotenti ma incredibilmente carine?

Le Yuru-Chara nell’era moderna

Dai primi anni 2000 ad oggi, il fenomeno delle mascotte è cresciuto esponenzialmente con dei ritmi a dir poco incredibili: basti pensare che l’evento cardine della cultura legata a questi simpatici pupazzoni, lo “Yuru-Chara Grand Prix“, ha visto il passaggio dalle 169 mascotte in gara nel 2010 (prima edizione) alle 1.727 del 2015. Numeri alla mano, più del decuplo dei partecipanti a 5 anni di distanza. Questo attesta, sì il dilagante interesse del popolo giapponese verso questo mondo, ma anche l’intuizione generale nei confronti di un fenomeno economico gigantesco.

Yuru-Chara Grand Prix: la bandiera di un fenomeno virale

Questo evento, lo “Yuru-Chara Grand Prix” può essere considerato il termometro che ha misurato la diffusione virale del fenomeno delle mascotte. Sono esemplificativi i dati delle partecipazioni all’evento che dal 2010 al 2015 sono salite esponenzialmente, per poi calare sempre più fino al 2020, anno dell’ultima edizione della manifestazione. Già, la competizione che si teneva per consacrare la miglior mascotte dell’anno, come successo per Hikonyan e Kumamon, ha ufficialmente chiuso i battenti. Una morte onorevole dovuta ad un lento calo di interesse culminata poi nel fendente fatale della pandemia.

A questo grande evento partecipavano tutti i tipi di mascotte che rientravano nella categoria delle Yuru-Chara, qui la differenza è davvero sottile ma proviamo a darvi una definizione: rientrano sotto il cappello semantico “Yuru-Chara“, solo quelle mascotte che posseggono una certa attitudine amatoriale, in questo senso alcune icone simili ma con un compito rappresentativo più serioso, professionale, non possono essere considerate tali. Un esempio sono le mascotte di Major Company o team sportivi professionistici, come ad esempio il famoso Domo-kun, creato dalla NHK, oppure le mascotte: Miraitowa e Someity, create rispettivamente per le Olimpiadi e per le Paralimpiadi di Tokyo 2020.

A questo punto sembra quasi superfluo chiederselo, ma forse è necessario rispondere alla domanda: “cos’è una Yuru-Chara?”
Secondo il creatore del termine, il sopracitato Jun Miura, le Yuru-Chara dovrebbero riuscire a

“veicolare un forte messaggio di amore per la propria città di origine o regione, avere dei movimenti o comportamenti caratteristici, che siano anche stravaganti ed inusuali, in un certo senso. Inoltre il personaggio dovrebbe essere in-sofisticato, rozzo, e rilassato/goffo (yurui) ma, soprattutto, simpatico e carino da vedere (kawaii)“.

Torniamo però allo “Yuru-Chara Grand Prix“. Questo fenomeno divenuto, non solo un importantissimo evento culturale, ma un vero e proprio traghettatore di denaro per le prefetture in gara, è davvero l’indice fondamentale che può farci comprendere il fenomeno legato alle mascotte. Basti pensare che, nel 2012, la vittoria epocale di Kumamon, la mascotte della prefettura di Kumamoto, avrebbe generato introiti per 123,2 miliardi di yen (1,1 miliardi di euro), tra merchandising e turismo, come riporta Il Post. Sempre in quegli anni, secondo una ricerca riportata dalla CNN, le vendite guidate dal mercato delle mascotte ammontavano a circa 16 miliardi di dollari in Giappone.

Insomma, come abbiamo già discusso, il fenomeno delle mascotte è stato, anche se per un periodo di tempo relativamente breve, di matrice prevalentemente economica; al punto tale che una vittoria durante lo “Yuru-Chara Grand Prix” poteva determinare introiti importantissimi per la prefettura che ne beneficiava. Così è avvenuta la mutazione di questo evento, nato per unire gli appassionati del fenomeno “Yuru-Chara” – che ricordiamo nasce da un contesto amatoriale, naïve in un certo senso – in una specie di “gara d’appalto” sotto mentite spoglie. Forse, in tal senso, è giusto che un evento del genere sia finito nel dimenticatoio.

Lo “Yuru-Chara Grand Prix” era diventato, negli ultimi anni, una competizione i cui partecipanti puntavano esclusivamente al risultato, dunque, il lauto, e indiretto, premio danaroso. L’ultima edizione (2020) è esemplificativa di questa deriva: la mascotte vincitrice di quell’anno Takata no Yume-chan, ha raggiunto il risultato sperato gareggiando aspramente con le rappresentanti di molte aziende in gara. Tutto ciò, nonostante la  Yuru-Chara in questione fosse nata per aiutare la sua prefettura di origine, Iwate, e nello specifico la sua città, Rikuzentakata, colpita dallo tsunami del 2011. Ovviamente il problema non sta nella competizione, però gareggiare con l’esclusivo interesse verso il lucro a discapito di realtà come questa con un bisogno reale di pubblicità e interesse pubblico, è quantomeno moralmente controverso.

Questa storia permette anche di comprendere quanto i pupazzoni, che quasi sembrano entità sovra-umane, nascondano non solo un/a poveretto/a sudato/a al loro interno, ma anche realtà pesanti quasi quanto i loro testoni. Le Yuru-Chara sono divertimento, spettacolo e folklore ma sono anche, soprattutto negli anni che hanno segnato il loro picco: pubblicità, competizione e soldi, tantissimi soldi.

Una mascotte per ogni cosa

Sperando di aver dato abbastanza informazioni per placare la vostra sete, ci sembra dovuto dare alle Yuru-Chara stesse lo spazio che meritano. Ecco quindi una rapida carrellata delle più strane, assurde e fuori luogo mascotte che siamo riusciti a trovare.

Cominciamo con Zombear – vi lasciamo anche il profilo IG ufficiale – un nome che è tutto un programma. Si tratta di una di quelle mascotte che rientrano in uno strano sotto-gruppo che fa leva sul grottesco. Questo strano orso blu non-morto (ma nemmeno vivissimo) è nato per promuovere il famoso Curry Blu di Otaru una cittadina dell’Okkaido. La sua storia parla di un vagabondaggio durato 70 anni alla ricerca di un ragazzo, forse il suo vecchio proprietario, chi lo sa; anche se forse sarebbe meglio che non lo trovasse, non siamo sicuri di cosa vuole fargli…

Adesso parliamo un po’ di Ama-zoness, questa è veramente assurda ma, al contempo, divertente da morire. Ama-zoness – no, Amazon non centra nulla – è un’amazzone sadomaso (letteralmente) originaria della prefettura di Aichi e riconosciuta dalla Camera di Commercio e dell’Industria. Nasce per pubblicizzare e far conoscere il cipollotto verde, tipico della sua città di origine, Ama, che – ovviamente – utilizza come un frustino verso tutti coloro che la incontrano. Purtroppo pare non aver avuto molto successo in rete, eppure il potenziale c’è.

I giapponesi, ormai lo abbiamo capito, hanno una vera e propria fissazione per le icone, più o meno mostruose che siano: credete davvero che un evento importante come il Covid-19 non abbia portato alla genesi di una mascotte personalizzata?
Ovviamente quest’ultima ha visto la luce: era impossibile affidare la divulgazione delle regole per evitare l’infezione e le pratiche da adottare nella vita quotidiana ad una persona in carne ed ossa, c’era bisogno dell’aiuto di Quaran. Indispensabile, davvero.

Poche cose ancora mancavano all’appello delle stranezze giapponesi rappresentate da una mascotte, una di queste sono le prigioni. Ovviamente anche queste strutture meritano di essere degnamente ricordate, non solo per le atrocità avvenute all’interno, ma anche per la carinissima Yuru-Chara che le abita. Parliamo in particolare della prigione di Asahikawa, situata nell’omonima cittadina dell’Hokkaido, all’estremo nord del Giappone. Questa prigione è molto conosciuta nel paese e, come si addice ad una struttura istituzionale di questo calibro, merita un’icona d’eccellenza, anzi due: Katakuri-chan e Katakuri-kun.
Ovviamente non si tratta dell’unica struttura di questo genere che possiede una Yuru-Chara personalizzata, date un occhio anche alle prigioni di Abashiri ed il Nara Juvenile Detention Centre per farvi un’idea.

Infine vi invitiamo a dare un’occhiata anche alle mascotte – tre ragazzine 2D – create ad hoc per l’esercito giapponese, ovviamente una per la fanteria terreste, una per la marina militare ed una per l’aeronautica (così da non far torto a nessuno) che purtroppo esulano dal concetto di Yuru-Chara. Nonostante ciò fungono, ancora una volta, da perfetti esempi della “mania personificatrice” del popolo giapponese che abbiamo citato a più riprese. Il Giappone si ri-conferma capace di sintetizzare perfettamente, almeno per il suo mercato e la sua sensibilità nazionale, il grottesco, l’assurdo e l’istituzionale.

Appena avete smaltito lo sbigottimento per l’assurdo mondo delle Yuru-Chara, vi consigliamo di andare a dare un’occhiata alla nostra recensione della serie animata di Solo Leveling qui!

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Quest’anno ricorre il 25° anniversario del brand Pokémon e, ovviamente, il franchise è pronto a festeggiare. Martedì 27 febbraio si celebrerà il PokémonDay, che anche quest’anno prevede eventi e prodotti esclusivi. Il Time Magazine ha deciso di omaggiare i pokémon con un’uscita speciale per il mese di febbraio. La rivista ha infatti rilasciato questo mese un numero speciale con quattro diverse copertine collezionabili, ognuna raffigurante uno degli starter della prima generazione:

Squirtle, Charmander e Bulbasaur, gli iconici starter di Kanto sono stati scelti da Time Magazine per le copertine. E naturalmente non poteva mancare l’iconico Pikachu, da sempre la mascotte del brand Pokémon.

Dall’anime ai videogiochi e altro ancora, con questo numero speciale Time Magazine documenta l’impressionante storia dei Pokémon e la sua crescita negli anni. Potete trovare questi speciali numeri da collezione ovunque vengano vendute le riviste locali, fino a maggio.

Per quanto riguarda il Pokemon Day, inizierà come sempre il 27 febbraio e i fan hanno grandi aspettative per l’evento. Dopotutto, durante lo scorso Pokemon Day sono stati annunciati tantissimi eventi e novità per il mondo Pokémon, tra cui la serie Netflix Pokémon Concierge.

 Quindi anche per quest’anno le aspettative per il Pokemon Day sono alte. Nell’attesa di saperne di più vi lasciamo ad altre interessanti news come: Nissy and Sky-Hi rilasciano il singolo “Stormy” per Blue Lock -Episode Nagi e The Wrong Way to Use Healing Magic: rilasciato un nuovo video promozionale

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La Kadokawa ha annunciato che l’anime televisivo di Studio Trigger, adattamento del manga Delicious in Dungeon (Dungeon Meshi), di Ryōko Kui, avrà una proiezione anticipata limitata di tre settimane, in 41 cinema giapponesi, a partire dall’8 dicembre. I quattro membri principali del cast presenzieranno a quattro delle proiezioni previste nei cinema Shinjuku Wald 9 e Grand Cinema Sunshine Ikebukuro, di Tokyo.

Inoltre, ogni settimana le sale regaleranno agli spettatori uno dei tre regali, previsti come bonus per i possessori di biglietto. il primo di questi omaggi è uno speciale libretto di 80 pagine, con un manga originale disegnato da Kui.

Il secondo, invece, sarà una replica in miniatura di una busta di produzione dell’animazione, tipicamente utilizzata negli studi cinematografici per conservare i disegni a matita e le illustrazioni, ed una cartolina, illustrata con uno schizzo a matita. Infine, l’ultimo omaggio, programmato per la terza settimana di proiezioni, sarà una tavola shikishi, da 15 cm, raffigurante un disegno esclusivo dell’autore.

Oltre a ciò, i cinema venderanno un supporto in acrilico dei personaggi (sempre ideato da Kui), un pannello con l’illustrazione in acrilico della teaser visual dell’anime, un arazzo in formato B2 della stessa immagine, un set di clear file, cinque supporti in acrilico dei singoli personaggi, due diversi set di badge e una collezione di mascotte in acrilico.

Le informazioni finora diffuse su Delicious in Dungeon

L’anime, che sarà presentato in anteprima a gennaio, durerà due cour consecutivi e terminerà nel giugno 2024.

I doppiatori annunciati sono:

• Kentarō Kumagai: Laios
• Sayaka Senbongi: Marcille
• Asuna Tomari: Chilchuck
• Hiroshi Naka: Senshi
• Saori Hayami: Falin
• Akira Miki: Namari
• Shinji Kawada: Shuro

Lo staff dell’anime, invece, vede Yoshihiro Miyajima (film SSSS.Dynazenon, regista degli episodi di SSSS.Gridman) alla direzione presso lo Studio Trigger. Kimiko Ueno (The Royal Tutor, Chimimo, Eternal Boys) supervisiona le sceneggiature della serie, Naoki Takeda (direttore capo dell’animazione per BNA: Brand New Animal) disegna i personaggi. Infine, Yasunori Mitsuda (Chrono Trigger, Xenoblade Chronicles, Black Butler: Book del Circo) ne sta componendo la colonna sonora, mentre la rock band BUMP OF CHICKEN ne ha realizzato l’opening.

Il manga originale, lanciato da Kui nel 2014 sul magazine Harta, della Kadokawa, come annunciato a settembre, è terminato il 15 dello stesso mese. Attualmente la J-POP, che sta curando l’edizione italiana con il titolo Dungeon Food, ha pubblicato 11 volumi dell’opera.

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La doppiatrice Megumi Hayashibara ha annunciato sul suo blog che non sarà più la voce del personaggio mascotte della Sanrio, Hello Kitty. Hayashibara ha doppiato l’iconica gattina bianca dal 1990. La comunicazione è arrivata a ridosso del compleanno del personaggio, festeggiato dalla Sanrio, appunto, il 1° novembre.

La doppiatrice ha prestato la voce ad Hello Kitty per numerosi film anime, progetti video anime originali (OVA) e serie anime televisive incentrate su di lei, incluse 16 opere animate separate, così come apparizioni cameo del personaggio in altri progetti.

Hayashibara, che si è più volte aggiudicata il premio come miglior doppiatore (seiyū) della Animage, è una delle artiste più prolifiche del settore, soprattutto negli anni ’90 e all’inizio degli anni 2000. Ha anche eseguito sigle per molti degli anime in cui ha recitato, essendo una delle prime interpreti vocali a farlo. Ha recitato ed eseguito sigle per anime come 3×3 Eyes, Ranma ½, Slayers, Saber Marionette R, Sorcerer Hunters, Love Hina e Shaman King.

Nel 2021 la Yen Press ha pubblicato il suo libro di memorie The Characters Taught Me Everything: Living Life One Episode at a Time. Purtroppo il volume è inedito in Italia, ma è possibile reperirne la versione inglese, sul sito della casa editrice e su Amazon.

Nel nostro paese Hello Kitty è stata, invece, doppiata sia da Stella Musy, nota per esser stata Meryl Stryfe in Trigun: Badlands Rumblesia e Akane Tendo nei film di Ranma ½, da Serena Clerici, che avrete sentito in One Piece Red, nei panni di Minibepo e Romy, e nel ruolo di Silica nei film SAO: Ordinal Scale e Aria of a Starless Night.

In chiusura, se siete amanti dei mitici personaggio della Sanrio, vi consigliamo la lettura del nostro articolo riguardo il cortometraggio Kuromi’s Pretty Journey.

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Arriva su Crunchyroll Gunma-chan, serie televisiva che ha come protagonista la mascotte della Prefettura di Gunma. Per ora è stata trasmessa una sola stagione, andata in onda sulle principali reti televisive del Kantō, tra ottobre e dicembre 2021. In tutto sono usciti trentanove episodi di sette minuti l’uno e mandati in onda a gruppi di tre, su modello di Sazae-san (popolare anime di fine anni Sessanta sulla famiglia tradizionale giapponese). L’anime ha già ottenuto una seconda stagione che debutterà in aprile. I membri principali del cast e dello staff hanno già confermato la propria collaborazione con lo studio Ascension per la seconda stagione.

Per coloro che non sono pratici di geografia giapponese, la Prefettura di Gunma si trova nella regione del Kantō, come accennato sopra, al centro dell’isola Honshū. Questo territorio è vicinissimo a Tokyo (appena una cinquantina di chilometri) ma è molto meno popolato e si presenta come la tipica campagna giapponese. Gunma è famosa per le località termali e il turismo naturalistico, che, insieme alla posizione centrale, la rendono il cuore rurale del Giappone.

Gunma-chan, formalmente Yūma-chan, è una delle yuru-chara (“mascotte”) disseminate per il Giappone. In generale, infatti, il popolo del Sol Levante apprezza moltissimo le mascotte e quasi ogni città, prefettura o evento importante ne possiede una. In questo caso si tratta di un pony. La prefettura di Gunma,  infatti, è storicamente conosciuta come la principale zona di allevamento di cavalli della nazione. Il debutto di Gunma-chan è stato nel 1983 in occasione di una competizione sportiva. Successivamente la prefettura acquisì il cavallino come propria mascotte e nel 1994, in occasione di un altro evento sportivo, ne introdusse una seconda versione, che è quella attuale.

Mitsuru Hongo (conosciuto per Ascendance of a Bookworm, Outlaw Star, World Trigger e Deltora Quest) ha scritto e diretto l’anime Gunma-chan allo studio Ascension. Karin Takahashi è invece la voce di Gunma-chan, mentre Aya Uchida e Yui Ogura interpretano Aoma and Mimi, amici del protagonista.

Oltre a consigliarvi di seguire le avventure di questo adorabile pony di sette anni dai miracolosi poteri curativi, vi consigliamo anche di dare un’occhiata alle novità sulla fine di High School Family e il debutto di Beat & Motion!

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