Cosa accade quando riunisci tre menti estremamente creative come quelle di Sio, Dado e Chiara Azzurro nella stessa stanza? Succede che dai loro sforzi combinati nasce Gukken, la nuova serie a fumetti lanciata da Star Comics. La storia è incentrata sulle avventure di due improbabili esploratori e cacciatori di tesori, Iruka e Leeroy, in giro per l’Internet.

Il primo volume è uscito nelle librerie, edicole e fumetterie lo scorso 28 ottobre, mentre il secondo uscirà il 20 gennaio dell’anno prossimo.

ATTENZIONE: QUESTO ARTICOLO CONTIENE SPOILER DEL PRIMO VOLUME DI GUKKEN.

Gukken: guida veloce

Facciamo un po’ di chiarezza: quando parlo di “esplorare Internet”, intendo letteralmente. Sì, perché nell’universo di Gukken, per ottenere le informazioni, le persone devono andarle a cercare “di persona”. Per chiarire la questione, però, bisogna fare un passo indietro di circa cinquecento anni prima dell’inizio della storia.

L’umanità ha raggiunto livelli di sviluppo tecnologico tali da non possedere più computer abbastanza intelligenti per elaborare i dati. Per questo motivo, si decide di collegare la Rete direttamente al sistema nervoso umano, tramite dei complicati impianti cibernetici.

A causa di un improvviso malfunzionamento del sistema di navigazione, tuttavia, la quasi totalità della popolazione mondiale perisce, lasciando in vita solo le persone in quel momento disconnesse e i bambini piccoli.

Il desiderio di poter accedere alla Rete, comunque, non sparisce, ma la ricerca è impossibilitata dall’assenza di un sistema di navigazione. Si decide quindi di utilizzare un vecchio videogioco in modo da convertire i dati in un mondo fantasy da esplorare. Cercare informazioni in questo modo, per quanto divertente, è comunque piuttosto pericoloso. Comincia così a farsi strada la professione del crawler, ovvero dei navigatori che esperti che vanno alla ricerca di dati su commissione.

Maestra e allievo

È qui che ci ricolleghiamo al presente e ai nostri due protagonisti, Iruka e Leeroy, intenti a cercare un datagem (ovvero un dato convertito in un oggetto/animale che è possibile raccogliere e riporre nel proprio inventario). I due sono rispettivamente allievo e maestra, come si può evincere dalle loro interazioni.

Leeroy è una crawler esperta, che si è fatta i muscoli (letteralmente) a forza di compiere missioni su compenso. Per questo, oltre, ad essere un’eccellente esploratrice e guerriera, è anche poco incline alle idiozie.

Il suo lavoro può rivelarsi altamente rischioso, quindi restare concentrati e tenere alta la guardia è di estrema importanza.

E forse è proprio per queste ragioni che Leeroy è spesso tentata di venire alle mani con il suo protetto, il novizio Iruka. Come il più classico dei protagonisti shōnen, il ragazzo è inesperto, terribilmente ingenuo, ma al contempo entusiasta e molto curioso. Questi suoi lati della personalità sono evidenziati in primis dal suo nome (infatti in giapponese iruka significa delfino), ma anche dalla noncuranza con cui affronta la sua prima missione.

Con queste premesse, la dinamica fra i due protagonisti dà così vita a siparietti comici che vedono quasi sempre il povero Iruka vittima delle nostre risate (e di Leeroy). In altre narrazioni, il dolore di un personaggio è spesso usato come escamotage per strappare una risata facile, senza però giustificarlo. Qui invece serve soprattutto a sottolineare l’inesperienza del ragazzo e il distacco di Leeroy, che non sembra ricordarsi di essere stata una novellina a sua volta.

E, sebbene potrebbe sembrare che Leeroy mal sopporti il suo allievo, verso la fine del volume ci viene mostrato come, in situazioni di pericolo, non ci pensi due volte ad andare in suo aiuto. Insomma, spero non sia scontato definire la nostra maestra una vera e propria tsundere.

Muri di testo

Se le interazioni fra i nostri due protagonisti gettano le basi per lo sviluppo del loro rapporto e la loro crescita personale, l’esposizione del worldbuilding di Gukken risulta leggermente pesante da digerire.

Basti pensare che il prologo ha ben quattro pagine di esposizione fitta, prima di far partire la storia. E questo è un pattern che si ripete per tutto il volume. Ogni tre o quattro pagine circa ci vengono sparati in faccia enormi blocchi di informazioni, di solito rivolti a Iruka, facendo partire lunghe spiegazioni su come funzioni la Rete.

Certo, potremmo passare sopra a questo fatto se tenessimo conto del fatto che Iruka è ancora inesperto del mondo dei crawler. Tuttavia, è un po’ strano che una cacciatrice esperta come Leeroy trascini il suo allievo in una missione senza avergli spiegato le basi del mestiere.

E lo stesso vale anche per i personaggi introdotti nel volume. Ad esempio, nelle ultime pagine compare per la prima volta Pengin, ex compagno di gilda di Leeroy, dalle sembianze di un pinguino. Egli si presenta a Iruka come il miglior fabbro in circolazione, ed inizia un lungo discorso sul funzionamento del crafting (la creazione degli oggetti).

Tutti questi lunghi discorsi rallentano molto il ritmo narrativo, e costringono il lettore a una rilettura dei dialoghi, o rischierà di perdersi informazioni importanti.

Insomma, l’intero primo volume assomiglia ad un lungo manuale d’istruzione sul funzionamento di questo mondo. Un libro di testo da memorizzare così da togliersi il prima possibile il peso delle informazioni tecniche e potersi concentrare solo sull’aspetto avventuristico del fumetto.

Gukken: un mondo digitale tutto da esplorare

Nonostante tutto, Gukken è un interessante approccio al genere degli isekai, unendo elementi classici ad uno spunto di trama alquanto interessante. L’idea di rendere Internet una specie di civiltà del passato che deve essere riportata alla luce tramite l’esplorazione è sicuramente originale. Scoprire che l’antica e rara ricetta che i protagonisti cercavano altro non era che la carbonara mi ha colto alla sprovvista, facendomi ridere a crepapelle.

I disegni di Azzurro Chiara sono caratterizzati da un tratto deciso e da una netta distinzione fra il character design dei personaggi e gli sfondi. Infatti i paesaggi sono ricchi di dettagli, rendendo l’esperienza immersiva per il lettore. I protagonisti hanno invece un design piuttosto semplice, scelta che valorizza la narrazione. Ad una prima occhiata li riconosci immediatamente, e hai già un’idea di quale sia il loro carattere.

Gukken è un esperimento che riporta in auge la giocosità e la leggerezza di questo genere di storie, contrapponendosi alla mole di isekai fatti con lo stampino a cui siamo esposti ormai da troppo tempo.

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Blue, la protagonista di A Kingdom of Quartz, non è un’eroina nata per brillare o essere il personaggio che tutti già amano nella storia. È un’orfana considerata di cattivo presagio, un simbolo di disgrazia nel Regno di Quartz, patria di angeli guerrieri addestrati a combattere demoni in nome di una dea. In un mondo dove il bianco è purezza e il nero è pericolo, lei si ostina a sognare ciò che non dovrebbe neanche desiderare: diventare un angelo, essere accettata, dimostrare che il destino non è una condanna genetica. Il plot può sembrare scontato e già visto, ma dal primo volume che abbiamo avuto modo di leggere non sembra così.

Ed è proprio questo che rende A Kingdom of Quartz così potente: la storia non parte dai campioni celebrati, ma da chi cammina con le spalle basse. Il manga prende l’idea della fede — quella che salva, quella che opprime — e la ribalta pagina dopo pagina, mostrando cosa significa credere anche quando il mondo intero ti dice di smettere. In Italia possiamo leggerlo grazie a J-POP.

Il Regno di Quartz: un paradiso “infernale”

Il mondo creato da Bomhat funziona come un meraviglioso inganno: è luminoso in superficie, rigido sotto, marcio nelle fondamenta. Il Regno di Quartz vive nella convinzione di essere protetto dagli angeli, soldati splendenti che combattono i demoni seguendo la volontà della loro dea. Una religione dorata, costruita per rassicurare le masse e mantenere in ordine gli ingranaggi della società.

Ma la bellezza non dura mai troppo. La serie spinge subito il lettore oltre la facciata: gli angeli non sono solo guerrieri, sono strumenti politici; la fede non è solo speranza, è controllo; il concetto di benedizione è un recinto. Le ali bianche diventano un lasciapassare sociale, le ali nere una sentenza inappellabile. Blue vive tutto questo sulla pelle, e ogni scelta che compie è un piccolo atto di sfida contro una struttura che decide il valore delle persone ancora prima che aprano gli occhi.

Il lettore scopre un mondo ostile ma affascinante, pieno di simboli di luce che custodiscono ombre immense. Magia, religione e potere si intrecciano dando vita a una trama che, sotto l’azione e le battaglie, racchiude una critica tagliente al culto della purezza e al fanatismo istituzionalizzato.

Blue e Cassian: un incontro decisivo

Il punto di rottura arriva quando Blue incrocia Cassian, il principe ereditario. Non un salvatore, non un cavaliere scintillante: un giovane cresciuto nel cuore del sistema, formato per perpetuarlo, e allo stesso tempo abbastanza intelligente da riconoscere le fratture nelle fondamenta.

Il loro incontro è il genere di evento che in un regno come Quartz non dovrebbe mai avvenire. Lui rappresenta il potere, lei l’impurità. Lui incarna l’ordine, lei la deviazione. Ma quelle due traiettorie incompatibili, una volta toccatesi, generano un effetto domino che non risparmia nessuno. Da quel momento, A Kingdom of Quartz si trasforma da racconto di discriminazione a una battaglia cosmica tra verità e menzogna. Blue scopre realtà scomode sulla propria identità, sull’origine delle ali, sull’equilibrio tra demoni e angeli.

Le rivelazioni arrivano come colpi di martello: secchi, inevitabili, devastanti. E Cassian, invece di rimanere dalla parte comoda della storia, sceglie di deviare, di vedere, di rischiare. È qui che la serie mostra il suo lato narrativo più potente: non offre una storia di “prescelti”, offre una storia di scelte.

Luce e tenebra in A Kingdom of Quartz: quando il fantasy diventa una metafora della vita reale

Bomhat usa il linguaggio del fantasy per parlare di ciò che accade nel mondo reale: la discriminazione che nasce dalla superstizione, la fede usata come arma, la paura del diverso, la violenza delle etichette sociali. Il bianco e il nero non sono solo colori, sono confini. E chi nasce dalla parte sbagliata del confine viene schiacciato fino a dimenticare il proprio valore.

Il manga osserva tutto questo con freddezza chirurgica. Non cerca giustificazioni, non addolcisce nulla. Mostra una protagonista che cresce nel giudizio altrui e un antagonismo che non ha bisogno di demoni per essere spaventoso — basta l’odio degli uomini. E quando arrivano davvero le creature oscure, il lettore capisce che non sono molto diverse dalla parte più corrotta della società.

Il vero conflitto della serie non è tra angeli e demoni, ma tra verità e comodo silenzio. E Blue, con la sua testardaggine, diventa il punto in cui la luce smette di essere “purezza” e diventa conoscenza; dove l’oscurità  smette di essere “malvagità” e diventa coraggio.

Successo, stile e un fandom sempre più affamato

A Kingdom of Quartz ha conquistato velocemente l’attenzione del pubblico anche grazie allo stile graffiante e riconoscibile di Bomhat: tavole dinamiche, silhouette marcate, un’estetica che unisce delicatezza e brutalità. Una miscela perfetta per i social, dove la serie ha trovato una seconda vita fatta di fanart, clip animate, citazioni e analisi.

In Italia, l’arrivo tramite J-POP Manga è stato celebrato dai lettori con entusiasmo crescente. Le edizioni regular e deluxe hanno reso la serie accessibile ma allo stesso tempo collezionabile, con materiali extra che ampliano la visione dell’autore.

Cinque volumi per un viaggio breve ma intenso, costruito come un arco unico che parte dal margine e sale fino allo scontro finale. Una storia che sembra nata per essere adattata, analizzata, riletta più volte.

A Kingdom of Quartz non è un semplice dark fantasy

A Kingdom of Quartz non è un semplice dark fantasy: è uno specchio che riflette ciò che la società preferisce ignorare. È una storia che usa ali, magie e demoni per parlare di rifiuto, identità e destino. Blue non è perfetta, non è forte, non è “pura”: è reale. E la sua battaglia è quella di chi ha sempre sentito di dover dimostrare qualcosa a un mondo che non l’ha mai voluto.

La serie colpisce proprio qui: nel modo in cui mette a nudo la fragilità dei suoi personaggi e la brutalità del mondo che li circonda. Con un linguaggio tagliente ma essenziale, Bomhat costruisce un manga che non accarezza, non consola, ma lascia un segno profondo.

In un panorama dominato da fantasy luminosi, A Kingdom of Quartz è una frattura netta. Una storia che scava, graffia e alla fine libera — non dal male, ma dall’illusione che la luce sia sempre giustizia.

Se l’obiettivo era creare un mondo che restasse sotto pelle, Bomhat ci è riuscito. Il Regno di Quartz non si limita a essere letto: si sente. E Blue, con le sue ali nere, dimostra che nessuno deve chiedere il permesso per volare.

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Attenzione: l’esperienza tratta di un’opera che presenta temi ad alto impatto emotivo.

Ci sono opere che non si limitano a intrattenere: ti travolgono, ti costringono a guardarti dentro e a fare i conti con parti di te che credevi sopite. La mia esperienza con Takopi’s Original Sin è stata devastante in questo senso. Il manga, nato dalla penna di Taizan 5 nel 2021 su Shōnen Jump+ e pubblicato in Italia da Star Comics nel 2022, era già un piccolo caso editoriale. Ma è stato l’anime, prodotto da Twin Engine e animato dallo Studio Colorido, uscito nell’estate del 2025 su Crunchyroll, a trascinarmi in un vortice emotivo che non dimenticherò facilmente. Persino la sigla, struggente nell’animazione e dolceamara nelle note, sembra un preludio a un dolore che non puoi evitare, ma che devi attraversare.

Takopi’s Original Sin: Esperienza di tre destini intrecciati dal dolore

La storia intreccia le vite di tre ragazzini che vivono all’ombra di ferite troppo grandi: Shizuka, Mari e Naoki. Ognuno porta sulle spalle un fardello fatto di solitudine, bullismo, mancanza d’amore. Guardavo e sentivo addosso quel peso, come se fosse mio.

Shizuka e Mari mi hanno spaccato il cuore. Due ragazzine agli antipodi, vittima e carnefice, eppure unite da un filo invisibile: il dolore. Guardandole, ho capito quanto sia facile ridurre le persone a etichette—la bullizzata, la bulla—senza considerare le cicatrici invisibili che le hanno rese così. Io stesso mi sono chiesto: quante volte ho giudicato qualcuno senza conoscere la sua ferita?

La verità è che nessuno di loro è leggero. Sono bambini, eppure vivono già come se avessero consumato tutte le energie. E mentre li guardavo, pensavo al mondo reale, a quante persone ho incontrato che urlavano il loro dolore ferendo gli altri. Chi ferisce, spesso è stato ferito. È una frase che sentivo echeggiare dentro di me a ogni episodio.

Takopi’s Original Sin: Esperienza di purezza come resistenza

Poi arriva lui, Takopi, un buffo alieno proveniente dal Pianeta Happy, con l’unico scopo di portare felicità. Ma come può la felicità attecchire in un terreno devastato? La sua presenza è ingenua e pura, eppure in quella purezza ho trovato una violenza disarmante: la violenza di ricordarmi che la felicità non è un lusso, ma una necessità vitale.

Takopi non è solo un alieno. L’ho sentito come un riflesso di quella parte fragile ma indomita che tutti custodiamo dentro. È la coscienza che ci ricorda che valiamo, che abbiamo il diritto di cercare la luce anche nei momenti più oscuri. Guardandolo muoversi, goffo e gentile, ho sentito il bisogno di proteggere quella scintilla in me stesso: quella che, nonostante tutto, continua a credere che vivere abbia un senso.

Takopi, in fondo, non è altro che la voce che ci chiede di fermarci, di provare empatia, di non spezzare ulteriormente ciò che è già incrinato. E ce lo chiede con la stessa semplicità ed ingenuità con cui dovremmo approcciarci alla serenità.

Takopi’s Original Sin: Esperienza di rimpianto e consapevolezza

C’è un aspetto che mi ha toccato più di tutti: il desiderio di tornare indietro. Quella voglia disperata di cambiare anche solo una scelta, per essere diversi, per essere migliori. Ma poi mi sono chiesto: migliori rispetto a chi? Chi decide cosa significa “migliore”?

Forse la risposta sta nell’equilibrio tra ciò che abita il nostro universo interiore e ciò che appartiene, invece, al mondo reale; tra ciò che chiamiamo etica e ciò che è la nostra esperienza concreta. Non ha senso torturarci con elucubrazioni infinite su quello che crediamo essere stato un errore: ha più senso chiederci cosa ci ha condotto a quelle decisioni. Se gli sbagli del passato hanno contribuito a renderci ciò che siamo oggi—consapevoli, capaci di distinguere il bene dal male—allora il vero compito non è cambiare il passato, ma fare in modo di non tornare ad essere, un giorno, quel passato da rinnegare. Essere più clementi con noi stessi e con le nostre ferite è un atto di amore necessario. Alla fine, siamo solo noi a decretare cosa significhi davvero essere migliori.

Le cicatrici che ci lasciano i nostri cari, le figure di riferimento, spesso ci marchiano per sempre, come la cicatrice che segna il volto di Mari. Eppure, ho capito che il vero lavoro è scegliere la prospettiva giusta, quella che ti permetta di vivere in pace con te stesso.

Esiste un lieto fine?

Mi sono fatto questa domanda fino alla fine. E la risposta che ho trovato è che Takopi’s Original Sin non parla davvero di lieti fine. Parla di speranza. Non tutti ce la faranno, ma nessuno per questo vale meno. È un inno struggente, fiabesco, che dà voce a chi non ce l’ha e che mi ha insegnato a guardare la mia stessa fragilità con più tenerezza. Dentro di noi vivono Takopi e Shizuka, la parte che soffre e quella che continua a credere. E forse è questo il senso: accettare che siamo tutto, che siamo contraddizione, che siamo vita.

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A cinque mesi di distanza da Blue Lock – Episode Nagi,  preludio della seconda stagione che ha debuttato su Crunchyroll il 5 ottobre 2024, la nuova tranche dell’anime sportivo più psicologico di sempre si è conclusa col quattordicesimo episodio il 28 dicembre 2024. In questa data, infatti, il rilascio simultaneo di Non sono solo e Ultimo attacco ci ha finalmente svelato la squadra vincitrice tra i membri del Blue Lock e la Nazionale giapponese Under 20.

Contrariamente alla prima stagione, la seconda si allontana dalla struttura fisica del Blue Lock per collocare Isagi, Bachira, Rin e gli altri personaggi in un campo calcistico propriamente detto, regalandoci una performance lontana sia dagli ambienti artificiali sia dalle astruse, seppur affascinanti, regole ideate da Jinpachi Ego. Finalmente i calciatori selezionati (e gli spettatori, narrativi e reali, insieme a loro) possono toccare con mano il palcoscenico che ne decreterà il futuro; una meta conclusiva, certo, ma soprattutto un punto di inizio in cui costruire tassello dopo tassello la propria carriera.

Facile ragionare soltanto in termini spaziali. In realtà, questa “uscita dagli schemi” è anche psicologica: se i membri dell’accademia vogliono vincere e dimostrare al mondo intero di che pasta sono fatti, devono letteralmente pensare out of the box per non vanificare gli sforzi intrapresi finora.

Conflitto “esterno”

Un ragionamento simile implica che soccombere alla Nazionale U-20 significhi gettare alle ortiche tutte le estenuanti, cervellotiche prove fisiche del Blue Lock – sarà un caso il debutto su Netflix, simultaneo alla seconda stagione di Squid Game? E non solo, perché gli effetti negativi a lungo termine appaiono decisamente maggiori: la chiusura dell’accademia stessa, l’impossibilità di rappresentare la squadra giovanile, sfigurare agli occhi del Giappone e del mondo intero.

Un altro grande cruccio si paventa assieme allo scenario di sconfitta. L’amara consapevolezza, insinuatasi nella mente nei calciatori fin dal primo episodio della prima stagione, che perdere questa sfida equivale a incorrere nella stessa sorte con squadre di tutt’altro calibro, come Brasile, Inghilterra e Spagna.

Il conflitto interno di Blue Lock 2 – o forse “conflitto esterno”, vista la fuoriuscita dalle mura scolastiche – è tale da risultare spaventoso. L’entusiasmo, però, non manca, soprattutto per i protagonisti sempre più focalizzati su sé stessi. E non ci riferiamo soltanto alla ghiotta possibilità di assumere le vesti della Nazionale U-20.

Il cambio di scenario, unito ad abilità sovraumane sviluppate nell’ombra e ora brillanti sotto la luce dei riflettori, instaura un meccanismo fin troppo ricorrente nell’anime targato 8-Bit: l’ego, ora arricchito dal flow. Quando la drammaticità aumenta, il bisogno di superare i propri limiti non può che accrescere di conseguenza.

Ovviamente, a trarne vantaggio è anche lo spettatore. Mai come in questa seconda stagione patteggerà coi protagonisti e proverà lo spasmodico desiderio di conoscere al più presto il finale… consapevole di come le gesta sportive, ormai lontane dagli scenari artificiali e a tratti asettici del Blue Lock, faranno uso del campo da gioco per risaltare come non mai.

Non solo attaccanti

A metà tra lo spaventoso e l’entusiasmante si colloca anche un’altra dinamica, già prefigurata negli episodi precedenti: la formazione di una rosa completa. Non sorprende che questa stagione introduca Oliver Aiku, un difensore che gode della stessa importanza degli altri personaggi.

Fin dall’inizio il Blue Lock insiste sulla necessità di forgiare esclusivamente attaccanti, per portare il Giappone a un livello successivo; e se invece non fosse così? Se una vera squadra, per vincere, dovesse risultare equilibrata in tutte le sue componenti?

Di fronte alle difficoltà crescenti vissute da Isagi, più di una volta lo spettatore si domanderà se le sue strategie siano ottime non tanto per un attaccante, quanto per un centrocampista. La specializzazione implica un maggior approfondimento dei punti di forza, così come la rinuncia a vette che non ha più senso scalare. Di conseguenza l’evoluzione on the field va di pari passo con quella umana.

In tal senso concorrono anche Itoshi Rin e i numerosi flashback dedicati al fratello. Tutta l’attenzione rivolta al numero uno del Blue Lock a scapito di Isagi, però, ha un secondo valore aggiunto: dimostrare come ogni ruolo – perfino il protagonista, da un punto di vista metanarrativo – è pronto a essere spodestato. Specialmente in un mondo tribale come quello calcistico.

Psicologia vs Azione

Uno strumento per incrementare le capacità e non rimanere indietro nella giungla darwiniana intra ed extra Blue Lock è appunto il flow, introdotto nel ventinovesimo episodio.

«Lo stato di coinvolgimento della mente che ogni essere umano ottiene attraverso l’esperienza ottimale» spiega Jinpachi Ego. «Le persone, quando si concentrano davvero, vengono assorbite al punto da ignorare perfino lo scorrere del tempo. Stimolare il cervello all’estremo perché rapiti dall’attività: è proprio questo il flow.»

Tale concetto prefigura una stagione più action delle altre, in cui la psicologia, in linea con l’ambiente definitivamente sportivo e sociale per antonomasia, viene per forza di cose ridimensionata. O così ci si aspetterebbe. Purtroppo non è così, e la qualità della narrazione ne risente in più punti.

Appare paradossale, se non addirittura grottesca, la lunga sequenza di ragionamenti dei personaggi, soprattutto in un contesto in cui la fisicità, la telecronaca e le reazioni del pubblico la fanno da padrone. In altre parole, ciò che funzionava tra le stagnanti pareti metalliche del Blue Lock non ingrana altrettanto bene al di fuori. In alcuni momenti – e sempre più in prossimità del finale – è davvero difficile mantenere l’attenzione alta.

Non per questo le intuizioni geniali dei calciatori vanno screditate. Le pressoché costanti strategie di Isagi portano la narrazione a un livello impensabile per gran parte degli altri anime sportivi e non, mentre i goal, pur pregni delle manifestazioni egoiche sviluppate nel Blue Lock, si arricchiscono alla luce dei ragionamenti che li hanno garantiti o almeno favoriti in precedenza. E non c’è niente di più entusiasmante di vincere grazie al proprio cervello.

Lo scoppiettante proseguo di Blue Lock giunge al termine: fra anticipazioni varie attendiamo il prossimo capitolo della serie. Siamo vicini a un possibile primato nelle serie animate?

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Distribuito nelle sale italiane il 2, il 3 e il 4 dicembre 2024 grazie a Crunchyroll e Sony Pictures, Solo Leveling -ReAwakening- raccoglie alcuni dei momenti salienti della prima stagione dell’anime e mostra, in anteprima, i primi due episodi della seconda stagione, Solo Leveling Season 2 -Arise from the Shadow-, la cui uscita è prevista per gennaio 2025 sulla piattaforma streaming di Crunchyroll.

Qui vige la legge del più debole

Fin dai primi minuti della pellicola, si avverte l’intenzione di riprendere il ritmo della serie animata, tramite la medesima strategia di un inizio in medias res. Tuttavia, se nell’anime l’incipit era inaspettato e non conforme alle prime sequenze dell’opera originale, l’avvio del film prende le mosse dal primo dei momenti cardini della storia di Sung Jinwoo, motivo per cui questo articolo presenta, d’ora in poi, vari spoiler inerenti all’opera di Solo Leveling.

Ci troviamo, dunque, all’interno del Tempio di Cartenon, luogo misterioso scoperto nel corso di un’esplorazione nei meandri di un inatteso dungeon doppio. In particolare, vengono riprese le sequenze finali dell’evento, ovvero il contatto del protagonista con ciò che viene definito System. Sarà proprio questo a fargli dono di abilità sovrumane, trasformandolo da hunter a Player.

Se questo inizio può risultare familiare e chiaro allo sguardo degli spettatori già avvezzi all’opera di Chugong e DUBU, sembra essere allo stesso tempo, forse, fin troppo sbrigativo per coloro che si approcciano per la prima volta al mondo di Solo Leveling. Quindi, per evitare l’eccessiva ambiguità ai neofiti della storia, a seguito di questa prima sequenza si susseguono immagini frastagliate degli avvenimenti precedenti all’ingresso nel Tempio.

Nonostante questa tecnica permetta anche a spettatori ignari delle vicende dell’opera originale di avere un contesto più o meno chiaro dell’incipit, la forse eccessiva celerità con cui ciò viene mostrato può risultare confusionaria. Inoltre, non mette in totale evidenza il contesto da cui proviene il protagonista. Il suo passato, la sua situazione familiare e la sua debolezza sia fisica sono caratteristiche fondamentali di Sung Jinwoo. È proprio il suo status di “arma più debole dell’umanità” a renderlo ciò che viene mostrato nel lungometraggio.

Rewatch all’insegna del combattimento

La prima parte della pellicola pare un rapido e condensato rewatch della prima stagione. Si racconta della misteriosa apparizione dei gate, dei mostri che vi abitano e del risveglio di abilità sovrannaturali riscontrate da parte di alcune persone. Le diverse abilità sono state poi divise in classi, dal grado S, il più forte, al grado E, il più debole. Per chiunque abbia subito un risveglio è possibile diventare hunter così da esplorare i dungeon e, soprattutto, è assolutamente impossibile cambiare il proprio grado. Tuttavia, grazie al misterioso System apparso nella vita di Sung Jinwoo, questi è improvvisamente in grado di migliorare le proprie abilità fino a livelli incredibili.

Questo retroscena era certamente già noto ai già conoscitori dell’opera, così come l’intera prima parte della pellicola. In tal senso, non si può dire che il film sia adatto come primo approccio nei confronti dell’opera. Di certo sono state adottate, come specificato nel paragrafo precedente, strategie volte a creare un prodotto fruibile per tutti. Tuttavia, nonostante sia effettivamente comprensibile alla totalità del pubblico, vengono tralasciati elementi che sono stati in grado di donare completezza alla storia. Allo stesso tempo, però, Solo Leveling -ReAwakening- non è neanche considerabile un prodotto adatto a coloro che disprezzano i rewatch.

Infatti, le scene agguantate dai 12 episodi (13 se si considera l’episodio recap 7.5) della prima stagione riguardano soprattutto i combattimenti. Dalla lotta contro il serpente all’interno della metropolitana fino all’epica battaglia nell’enigmatico castello sede dell’incontro con il cavaliere Igris, tutto nella vita di Sung cambia.

Le melodie dell’oscurità

La scelta di seguire il percorso del protagonista attraverso i suoi combattimenti ricalca decisamente una delle colonne portanti dell’intera opera, ovvero lo scontro fisico. Da questo punto di vista, si può dire che il grande schermo metta decisamente in risalto l’ottimo lavoro portato avanti dalla A-1 Pictures che, grazie a Solo Leveling, ha potuto dare sfogo al proprio talento.

Inoltre, il frastagliato recap a seguito degli eventi all’interno del Tempio ha come sottofondo la sigla iniziale degli episodi della prima stagione. Lo schermo si scompone in scene già conosciute che sottolineano le note della “LEveL” di TOMORROW X TOGETHER.

La sigla mette in risalto fin da subito l’importanza rivestita dalla componente musicale. Il lavoro di Hiroyuki Sawano, il cui contributo in Attack on Titan è stato a dir poco incredibile. La colonna sonora può essere considerata una delle caratteristiche più curate all’interno del prodotto e ciò non cambia nemmeno nel film Solo Leveling -ReAwakening-.

Ciò che colpisce di più dei suoni e delle melodie che accompagnano le vicende di Sung è la loro accuratezza. Le note sono un vero amplificatore delle emozioni che le scene vogliono comunicare allo spettatore. In questo modo, si approfondisce ancora di più la reazione emotiva del pubblico alle vicende, concentrando la totalità dell’opera sull’interiorità dei personaggi e degli spettatori.

Il filo sempre più sottile dell’umanità

La seconda parte della pellicola è decisamente la più interessante. Rivolgendosi anche a coloro già avvezzi all’opera, mostra in anteprima ciò che ci si può aspettare dai primi due episodi della seconda stagione, la cui uscita è prevista per gennaio 2025.

Tralasciando gli eventi e il proseguimento della trama in senso lato, tra non molto disponibile per tutti sulla piattaforma streaming di Crunchyroll, può essere interessante soffermarsi su ciò che questo nuovo arco narrativo è in grado di far risaltare ad un livello più profondo.

Episodio dopo episodio, la prima stagione, così come i primi capitoli dell’opera di Chugong, è in grado di far percepisce un’ambiguità morale spaventosa, rintanata all’interno dell’animo di Sung Jinwoo. Più comprende il System e più si fortifica ma, al tempo stesso, la sua umanità vacilla.

L’esempio più eclatante di tale trasformazione è la sua furia omicida protagonista del sesto episodio dell’anime. L’uccisione di massa portata avanti da ciò che dovrebbe essere un relativamente prevedibile protagonista, scardina completamente qualsiasi aspettativa il pubblico possa aver creato nei suoi confronti.

Black goes with anything

A seguito della sua “incoronazione” in quanto negromante e l’acquisizione dell’incredibile abilità di estrarre le anime dei nemici da lui sconfitti, l’oscurità nel suo cuore diventa improvvisamente palpabile. Il suo esercito di ombre cresce a dismisura anche all’interno di un nuovo, misterioso gate, sede della prossima stagione della serie animata e, senza necessariamente menzionare dettagli superflui, calato in un mondo freddo e invernale.

Eppure, come si è soliti dire, il nero sta bene su tutto. Sta bene sugli occhi blu e scintillanti di Sung Jinwoo, sta bene sul bianco della neve e sul rosso sangue dei nemici che macchiano il suo pugnale. Ancora una volta, nonostante l’ambigua morale delle sue azioni, questo protagonista non smette di ammaliare il pubblico.

Solo Leveling -ReAwakening- aumenta l’attesa nei confronti della prossima stagione, Solo Leveling Season 2 -Arise from the Shadow-. Con una rinnovata bellezza estetica e una contemporanea crescita delle sue abilità, continua la sua vita camminando sul sempre più sottile filo dell’umanità. Si spezzerà mai del tutto? Cosa possiamo aspettarci dalle sue prossime avventure? Fin quanto ancora sarà in grado di spingere la sua umanità verso il limite?

Con una quantità incalcolabile di combattenti oscuri al suo servizio che fuoriescono direttamente dalla sua stessa ombra, Sung Jinwoo si riconferma un protagonista decisamente memorabile e assoluto.

E dopo questa fotografia dell’ultima opera di Chugong aspettiamo ansiosi il proseguo della serie e il vostro giudizio in merito!

L'articolo Solo Leveling -ReAwakening-, un film tra rewatch e anteprima proviene da Animaku.

Andata in onda dal 4 maggio al 12 ottobre 2024 per un totale di venti episodi, la settima stagione di My Hero Academia costituisce il trampolino di lancio per l’ultima parte dell’anime, attesa per il 2025 su Crunchyroll.

Come considerare la nuova tranche? Purtroppo l’opinione è scontata, e ricorrente tra gli spettatori: un arco narrativo inferiore alle aspettative, stanco artisticamente proprio quando avrebbe potuto e dovuto osare di più.

Una scelta deliberata? Il tentativo di non tradire lo spirito comfort della serie? Forse. Al tempo stesso, il tradimento dei presupposti iniziali avrebbe garantito un prodotto più maturo.

Non per questo la settima stagione di My Hero Academia è da buttare. Analizziamo quindi gli elementi che elevano la narrazione a una qualità comunque inarrivabile per altri prodotti nipponici e non, senza dimenticare i difetti che li accompagnano.

Scontro totalizzante

A quali risposte ci riferiamo? Innanzitutto, all’esito dello scontro tra Heroes e Villains, che esplode in tutta la propria dirompenza fino a omaggiare la conclusione della prima puntata.

Espressione e contenuto

No, un programma tanto ambizioso non deve suggerire una cattiva gestione narrativa. Attraverso il lavoro dello Studio Bones e le colonne sonore di Yūki Hayashi, la storia affronta svariate sfide produttive: scontri via terra, via aria e via mare, a cui si aggiungono quei nuovi poteri di Shigaraki e Toga Himiko, che fanno scuola nel mondo dell’animazione. Perfino le ristrutturazioni di elementi già noti – come lo Yuei – sfruttano l’humus tecnico per mostrarsi in tutta l’appariscenza.

Il rapporto tra palcoscenico (Heroes combattenti) e dietro le quinte (Nezu, True Man e gli altri cervelloni) non può che arricchire la strategia, a cui si aggiunge la redenzione del “traditore”. Un pretesto per esprimere i valori universali di cui la serie si fa portatrice fin dall’inizio, ma anche la più o meno deliberata consapevolezza che, nell’atteggiamento di rifiuto per il mondo di All For One, evitare ogni distinzione e raggiungere un’unità totalizzante quanto lo scontro stesso diventa l’unica salvezza.

Conflitto interno

Purtroppo è proprio da questi pregi che muovono i difetti principali. Nonostante l’apocalisse capace di spazzare via il Giappone e il mondo intero, qual è la posta in gioco – umana e non?

In una dinamica che riguarda il franchise nella sua interezza, ma particolarmente evidente nel film My Hero Academia: You’re Next, la seconda parte non ha assunto un tono più grave per mantenere un ingenuo, sano ottimismo. E ormai lo spettatore può metterci la mano sul fuoco: ogni momento critico si risolverà con la vittoria degli Heroes.

Parliamo di una posta in gioco soggettiva e oggettiva. Nessuno vorrebbe assistere alla morte del personaggio preferito, ma ponendo sul piatto questo svantaggio e l’esponenziale aumento dell’adrenalina che ne deriverebbe (e se gli Heroes, nonostante gli sforzi, fallissero?) la soluzione appare evidente. Purtroppo la serie è poco avvezza a soluzioni simili, e l’episodio Chi protegge e più danneggia lo dimostra nel più ridicolo dei modi. Come se non bastasse, “micro-sconfitte” quali traumi fisici, legami spezzati e danneggiamento delle attrezzature avrebbero giustificato il power up improvviso di personaggi come Koji Koda.

«Sembra che io possa catturare due uccelli con una sola fava», diceva Shigaraki nel Forest Training Camp Arc. E aveva ragione. Tutti noi aspettiamo una svolta oscura; un parallelismo – a proposito di easter egg – col Dark Deku che ci ha tanto entusiasmato. A voler fare i puntigliosi, poi: qual è stato l’insegnamento di un periodo tanto sofferto?

Il cerchio si chiude

La mancanza del conflitto interno suggerisce che la settima stagione di My Hero Accademia sia più orientata al passato, ma questo ripiegamento ha risvolti eccelsi che sfruttano il finale prossimo.

Ci riferiamo alla sensazione di un cerchio che si chiude, alla chiusura repentina e simultanea dei programmi narrativi più duraturi del franchise. Il primo parallelismo con le origini dell’anime arriva da Star and Stripe, controparte americana di quel che rappresenta All Might in Giappone.

Lo stesso vale per i personaggi delle stagioni precedenti e le sezioni “minori” del liceo Yuei. Mei Hatsume, Power Loader e gli altri membri della classe H-1 forniscono armi sempre più avanzate al gruppo protagonista; i social media manager dell’istituto (purtroppo non approfonditi) testimoniano la necessità di riprendere le imprese degli Heroes per arricchirne l’influenza.

Forse questo difetto risulta troppo invalidante, forse i ritorni dalle tre stagioni precedenti appaiono simultanei e poco diluiti, ma l’effetto nostalgia è assicurato. Perché la chiusura del cerchio è non soltanto pratica, ma anche (e soprattutto) psicologica.

Closure

Quali sono queste parabole introspettive? Per spiegarlo partiamo dal concetto psicologico di closure, riferito al raggiungimento di una conclusione, sia pratica sia emotiva, rispetto a un evento che coinvolge due o più persone.

Tra passato e futuro

Non sorprende che lo strumento migliore per soggettivizzare il closure sia il confronto. Svariati personaggi dialogano con le proprie nemesi durante il combattimento, consapevoli che il primo esito dipende dal secondo e viceversa. Gli errori passati sono stati commessi tanto dai Villains quanto dagli Heroes, e le conseguenze di questi ultimi, uniti allo scontro frenetico e a quirk per forza di cose ristrutturati in una scala valoriale, rendono l’attribuzione delle colpe sempre più complessa. Ma non c’è tempo per puntare il dito: l’importante è raggiungere una pace relazionale prima che globale.

Per favorire il dialogo, la storia suddivide i diretti interessati in piccoli schieramenti: ne deriva una generalizzata affinità elettiva che non cade nel tranello di polverizzare la componente action. In compenso, si declina nell’accezione più banale e distrugge quanto faticosamente costruito nella prima fase.

Alla frenesia dello scontro si somma una visione, sempre presente ma ora giunta al culmine, per la quale sconfiggere il nemico significa molto più che schiacciarlo al suolo; richiede invece un’analisi delle sue ferite interiori e, di riflesso, delle proprie. È quanto accade tra Uraraka e Himiko, ma anche nel percorso di Deku nella tranche finale. Di conseguenza i tre Villains principali della serie – in una dinamica forse inflazionata, per quanto accattivante – ritornino bambini per affrontare il trauma.

Contro-tradimento

In questo solco che si colloca il tradimento (e l’immediata redenzione) di un determinato personaggio – una rivelazione tanto sorprendente da eclissare la cattiva gestione del traditore stesso, narrativamente ridotto a marionetta.

Il movente deriva da questioni pratiche, cioè la protezione di sé stessi o delle persone care, e col tempo non si allinea alla visione antagonista. Sarà Deku a favorire tale disallineamento.

Il risultato? La chiara, inequivocabile supremazia delle esperienze post su quelle ante, a sottolineare la fallacia dell’imprinting iniziale e i valori sviluppati nell’esperienza allo Yuei. No, il tornaconto personale non può durare a lungo, al contrario dei legami senza condizionamenti esterni.

Così facendo, la narrazione ottiene un ulteriore risultato: delineando il passaggio da ex-Hero (il traditore) a Hero propriamente detto (tutti gli altri studenti), prefigura quello da Villain a ex-Villain. Messa in discussione la retorica di All for One, la trasformazione in eroe non è più utopica. Accadrà forse nell’ultima stagione?

Eteromorfi

La discrepanza si esplica soprattutto negli episodi 152 e 153, fiori all’occhiello della stagione.

Così My Hero Academia sfrutta il sotto-arco narrativo sugli eteromorfi per parlare di razzismo, pregiudizi ed emarginazione sociale. Il tutto rifuggendo da una tendenza ambigua fel franchise, per la quale fisionomie socialmente sanzionate e passati dolorosi trasformano necessitate cogente in Villains. Assistiamo inoltre alla rivoluzione-involuzione del Villain più riuscito.

Ma la “manifestazione inaspettata” degli Heroes più eclissati ricorre già dall’episodio 141. Così facendo conferma ciò che ha dimostrato Deku nell’ottenere il quirk, e All Might nel finale di stagione. Non importa la posizione di apparente inferiorità: grazie al supporto reciproco, nessun obiettivo è troppo lontano. Neanche redimere la persona che è pronta a distruggerti.

Per approfondire l’argomento, non perdetevi quel che sappiamo sull’ultima stagione di My Hero Academia. Ma, se non siete in vena, fareste meglio a mettervi comodi in attesa del colpo di scena finale.

L'articolo My Hero Academia 7 – Un preludio finale inferiore alle aspettative proviene da Animaku.

“Magnifico, lascia senza fiato. È il futuro dell’animazione”.

È così che Guillermo del Toro parla di FLOW – Un mondo da salvare.

Presentato in anteprima italiana al festival Alice nella Città e inserito tra i film protagonisti del Lucca Comics & Games, Flow – Un mondo da salvare è il candidato lettone all’Oscar come Miglior film internazionale. Inoltre, Variety lo considera tra i favoriti nel conseguimento della prestigiosa statuetta.

Attraversando il festival di Cannes e vincendo quattro premi ad Annecy, il secondo lungometraggio del giovane Gints Zilbalodis è pronto ad approdare nelle sale italiane a partire dal 7 novembre 2024.

INONDAZIONE

Immaginate di essere un piccolo animale intento a vagare in un grande mondo desolato. Un mondo fatto dal verde degli alberi e da un silenzio infranto solo da idilliaci suoni naturali.

All’improvviso, un frastuono spezza la quiete, ponendo davanti ai tuoi vispi occhi ciò per cui non puoi fare a meno di provare un terrore primordiale. Un’incredibile quantità d’acqua inonda con violenza la terra attorno a te, spezzando e nascondendo tutto ciò che si para sul suo cammino.

È così che inizia la storia di un gatto avventuroso, capace e bisognoso di affrontare le sue paure per sopravvivere in un luogo diventato improvvisamente e misteriosamente inospitale.

Nel corso del suo appassionante viaggio, incontrerà numerose creature tra il reale e l’immaginario. Insieme, partiranno all’avventura verso la scoperta del loro nuovo mondo, costellato da paesaggi incantevoli, bizzarri e memorabili.

OCCHI GIALLI E SFERE NERE

“Penso che l’animazione possa andare più in profondità nel subconscio degli spettatori di quanto riesca a fare un film ripreso dal vivo. L’animazione non è influenzata da barriere culturali o linguistiche, può essere molto più universale e primordiale. Ma, allo stesso tempo, non credo che dovrebbe essere vista come qualcosa di diverso. È solo un’altra tecnica narrativa”.

È questa nota di regia a far trasparire l’amore incondizionato che il regista lettone prova nei confronti del disegno animato. La sua passione, mischiata alla sua timidezza, lo ha portato a realizzare numerose opere in solitaria.

Persino il suo primo lungometraggio, Away, è stato creato esclusivamente da lui. Flow – Un mondo da salvare è il primo lavoro che ha compiuto a più mani affiancandosi, ad esempio, nella sceneggiatura a Matīss Kaža.

Le animazioni riescono a cogliere in modo eccellente le caratteristiche tipiche dei gatti. Che sia nella loro semplice fisicità o nella loro innata astuzia, il piccolo felino nero protagonista della pellicola ricalca perfettamente l’immagine del gatto che ogni persona nel pubblico ha, molto probabilmente, radicata nella mente.

I suoi grandi occhi gialli che si trasformano in due sfere nere nei momenti di gioco allargandosi e restringendosi in continuazione, l’accortezza nel suono del suo miagolio e la sua innata diffidenza lo rendono estremamente reale. A ciò, si aggiungono ulteriori aspetti felini volti a creare momenti di ilarità. L’insieme riesce così a ricreare nell’animo degli spettatori le emozioni suscitate nel corso delle interazioni con questi adorabili felini.

PERFEZIONE

Ciò che fa da sfondo alle meravigliose ambientazioni e animazioni di Flow — un mondo da salvare è fondamentale per la buona riuscita dell’intera pellicola. L’elemento tecnico che colpisce maggiormente è l’incredibile varietà e finezza riservata al suono. In un mondo immerso nel silenzio, la melodia naturale costituisce una colonna portante della narrazione.

L’opera pone davanti allo sguardo degli spettatori un’immersione completa nel mondo naturale. Come tutto ciò che vive, anche le creature che incrociano il cammino del protagonista sono portatori sia di tutta la loro bellezza, che delle loro particolarità.

Madre natura non è solo magnificenza eterea e perfezione, ma è anche violenza e crudeltà. Infatti, l’avventura dei nuovi improbabili amici non è assolutamente priva di difficoltà e di pericoli imminenti. La loro piccola imbarcazione è di certo un luogo sicuro, sede di giochi e tranquillità, ma anche il mezzo attraverso il quale il variegato gruppo si scontra con misteri e tempeste.

CRUDELTÀ

In tutta la sfera dello “spaventoso” presente nel film, la talassofobia la fa da padrona. La forte paura della “thalassa”, ovvero del mare e, in generale, delle acque profonde serpeggia costantemente nel corso della narrazione. L’ignoto che si nasconde tra ciò che un tempo era il suolo, ora trasformato in fondale marino, e la superficie dell’acqua viene sottolineato dal suono ovattato del mondo circostante e dalla profonda oscurità dei nuovi abissi, illuminati solo dalla fioca luce superficiale che si riflette sulle squame di pesci variopinti.

Un ulteriore elemento di grande impatto emotivo è la totale assenza di dialogo. O meglio, la totale assenza di dialogo umano. Quest’ultima caratteristica è volta a completare il grande insieme di tecnicità che consentono al regista di fomentare ancora di più la sua idea inerente all’universalità delle animazioni. Perché gli animali parlano, eccome se parlano tra loro e parlano anche al grande pubblico del mondo.

Questo incontro nato nella necessita si trasforma in un’amicizia potente, cresciuta nel rispetto e nell’amore, rappresentando ciò che è visivamente assente nella storia, ma che, in realtà, fluisce costantemente attraverso lo schermo: l’umanità.

GO WITH THE FLOW

Dove sta andando il gatto nero? Perché succede tutto questo? Cosa accadrà in futuro?

Nel corso della visione sorgono numerose domande a cui non per forza viene data una risposta al termine della pellicola.

La voluta mancanza di spiegazione a determinati avvenimenti della storia contribuisce a creare delle fasi e, soprattutto, un finale narrativo sorprendentemente criptico. Come affermato da Gints Zilbalodis in una nota di regia:

“L’obiettivo però non era creare un enigma da risolvere, ma offrire al pubblico un’intera esperienza da abbracciare, un film aperto che continui a farci pensare dopo averlo visto”.

Questo aspetto rende possibile l’interpretazione personale nei meriti di un significato più intimo e astratto riguardo le vicende del piccolo gatto nero.

Insomma, si può dunque affermare che la presenza di elementi così complessi faccia di Flow – Un mondo da salvare un’opera per tutti. Forse un po’ troppo misterioso e a tratti spaventoso per i più piccini, ma il pubblico giovanile sarà senz’altro attirato dalla simpatia degli animali e dagli intensi colori che giocano tra loro sullo schermo, mentre i più grandi potranno riflettere sulla presenza di temi profondi che, però, abbracciano affettuosamente l’esclusiva comprensione di ogni singolo spettatore, veicolata dall’interiorità personale.

L’intero film può essere considerato come un imponente fiume in piena. Imprevedibile, sorprendente e pieno di vita. In fin dei conti, l’essere umano diventa superfluo e impotente davanti alla crudele bellezza della natura. È forse questa la risposta alla domanda inerente alla mancanza degli umani in questo mondo così unico ma, allo stesso tempo così reale? Forse si, o forse no. In ogni caso, si può dire che l’obiettivo di Gints Zilbalodis sia stato raggiunto: Flow — un mondo da salvare fa decisamente riflettere anche a seguito dell’uscita dalla sala, lasciando a ogni singolo spettatore il compito di interpretare la sua storia.

Il film lettone potrebbe diventare importante nel panorama dell’animazione internazionale, soprattutto nell’ottica di una partecipazione agli Oscar. D’altronde la pellicola vincitrice dell’anno scorso è già cult.

L'articolo Flow – Un mondo da salvare: il viaggio di un incredibile gatto nero proviene da Animaku.

La seconda stagione di Jujutsu Kaisen è stata accolta con un entusiasmo travolgente, confermando la serie come una delle opere più influenti e amate del panorama anime contemporaneo. Con una trama che mescola abilmente passato e presente e un’animazione mozzafiato, questa stagione segna un’evoluzione significativa, mantenendo però intatta l’essenza che ha catturato milioni di fan in tutto il mondo. In questo articolo, esploreremo i temi, le tecniche di animazione impiegate da MAPPA, il confronto con il manga e l’evoluzione dei personaggi secondari.

La narrazione, un viaggio tra luci, ombre e violenza

La seconda stagione di Jujutsu Kaisen si distingue per la sua capacità di spingersi oltre i confini della narrazione tradizionale. Anziché concentrarsi unicamente su Yuji Itadori, come nella prima stagione, questa volta l’attenzione si sposta su due figure chiave del mondo delle arti occulte: Satoru Gojo e Suguru Geto. L’arco narrativo di “Premature Death” ci porta indietro nel tempo, esplorando la giovinezza di questi due personaggi e gettando luce sui momenti cruciali che hanno segnato il loro destino.

Il rapporto tra Gojo e Geto è al centro di questa parte della stagione, mostrando non solo il loro legame, ma anche la lenta discesa di Geto verso l’oscurità. Questo approfondimento nel passato dei due protagonisti offre un contrasto potente rispetto agli eventi della prima stagione, arricchendo la narrazione con nuove sfumature e aumentando l’impatto emotivo della storia.

Per chi ha seguito Jujutsu Kaisen sin dall’inizio attraverso le pagine del manga, la seconda stagione offre un’esperienza che è sia fedele all’originale che audace nelle sue scelte artistiche. MAPPA ha dimostrato ancora una volta di saper trasporre il materiale di Gege Akutami con grande rispetto, mantenendo intatti i momenti chiave e le emozioni che essi evocano. Tuttavia, ciò che distingue l’adattamento animato è la libertà creativa con cui vengono espansi e reinterpretati alcuni elementi.

Un esempio emblematico è la rappresentazione delle battaglie. Nel manga, queste sono già intense e dettagliate, ma nell’anime raggiungono un nuovo livello di spettacolarità. MAPPA utilizza effetti visivi dinamici e una regia impeccabile per amplificare l’impatto delle scene d’azione, facendo sì che ogni scontro sembri un vero e proprio evento cinematografico. Questa scelta non solo esalta la tensione e l’adrenalina, ma aggiunge anche profondità alle tecniche e alle abilità dei personaggi.

Jujutsu Kaisen e la grande qualità tecnica di MAPPA

MAPPA è ormai sinonimo di eccellenza nell’animazione, e con la seconda stagione di Jujutsu Kaisen ha superato se stessa. Ogni episodio è una dimostrazione di come l’animazione possa essere usata per trasmettere emozioni potenti e creare un’esperienza visiva immersiva. Le tecniche utilizzate da MAPPA per questa stagione meritano un’analisi approfondita.

Uno degli aspetti più impressionanti è l’uso del “sakuga”, ossia l’animazione ad alta qualità focalizzata su momenti chiave. Questa tecnica permette di concentrare l’attenzione dello spettatore su specifiche sequenze, aumentando l’impatto delle scene d’azione. Durante gli scontri più intensi, la fluidità dei movimenti e il dettaglio delle animazioni raggiungono un livello tale che sembra di assistere a un combattimento coreografato dal vivo.

MAPPA non si limita solo a questo. L’uso del colore è un altro elemento distintivo. Nelle scene più drammatiche, i colori diventano più saturi, quasi a riflettere lo stato emotivo dei personaggi e l’intensità delle situazioni. Questo contrasto cromatico aiuta a creare un’atmosfera che è allo stesso tempo vibrante e inquietante, immergendo lo spettatore in un mondo che sembra pulsare di energia.

Un altro aspetto tecnico che spicca è l’uso della CGI in modo integrato con l’animazione tradizionale. MAPPA riesce a fondere perfettamente questi due elementi, creando sequenze in cui la CGI non è invasiva ma serve a potenziare l’esperienza visiva. Questa combinazione è evidente soprattutto nelle scene in cui vengono utilizzate tecniche di jujutsu che richiedono effetti visivi complessi, come barriere e maledizioni. Il risultato è una resa visiva che appare fluida e naturale, senza soluzione di continuità tra animazione 2D e CGI.

Oltre a Gojo e Geto, la seconda stagione di Jujutsu Kaisen dedica tempo prezioso anche ad altri personaggi che hanno un ruolo cruciale nello sviluppo della trama. Personaggi come Shoko Ieiri, la talentuosa guaritrice e Riko Amanai, che rappresenta il cuore dell’arco narrativo del “Ragyo di Plasma Stellare“, vengono esplorati in profondità, aggiungendo nuove dimensioni alla storia.

Shoko Ieiri, con il suo carattere riservato e la sua dedizione al ruolo di medico, mostra quanto sia importante il lato umano in un mondo dominato da poteri sovrannaturali. La sua amicizia con Gojo e Geto, seppur meno esplorata, aggiunge un ulteriore strato di complessità alle relazioni tra i personaggi principali.

Riko Amanai, invece, rappresenta una delle figure più tragiche della stagione. Il suo ruolo nel piano di Tengen e il suo destino inevitabile mostrano la crudeltà del mondo di Jujutsu Kaisen, dove anche i personaggi più innocenti sono soggetti a forze più grandi di loro. La sua storia è un perfetto esempio di come la serie sappia bilanciare momenti di luce e speranza con quelli di oscurità e disperazione.

Un’Odissea di emozioni

La seconda stagione di Jujutsu Kaisen non è solo un festino per gli occhi, ma anche un’esplorazione più profonda dei temi centrali della serie. La lotta tra bene e male, il peso delle scelte e il sacrificio sono tutti temi che emergono con forza, arricchendo la narrazione e offrendo al pubblico spunti di riflessione.

Il personaggio di Geto, in particolare, rappresenta il conflitto interno che si può generare tra ciò che è giusto e ciò che si percepisce come tale. Il suo passaggio da alleato di Gojo a villain principale è trattato con una delicatezza che rende il suo arco narrativo uno dei più tragici e complessi dell’intera serie. Anche la figura di Gojo, con la sua enorme forza e responsabilità, è esaminata più da vicino, mostrando le vulnerabilità di un personaggio che fino a quel momento era apparso quasi invincibile.

La seconda stagione di Jujutsu Kaisen non solo soddisfa le aspettative, ma le supera, offrendo una narrazione ricca di sfumature e un’animazione che è una gioia per gli occhi. Con l’eccellente lavoro di MAPPA, la serie si conferma come uno dei titoli più forti e influenti dell’attuale panorama anime.

Il confronto con il manga rivela una fedeltà che non rinuncia però alla creatività, regalando agli spettatori un’esperienza che valorizza al massimo sia la storia che i suoi personaggi. Mentre ci prepariamo per i futuri sviluppi, è chiaro che Jujutsu Kaisen continuerà a essere un punto di riferimento per gli anime, mantenendo viva la magia che ha conquistato milioni di fan in tutto il mondo.

Se ti appassiona la serie ti consigliamo di leggere il nostro articolo su “Jujutsu Kaisen 0 – Il film“.

L'articolo Jujutsu Kaisen 2: il violento e oscuro adattamento anime dell’incidente di Shibuya proviene da Animaku.

Il vento soffia tra le cime delle montagne, mentre ci aggiriamo con passo cauto tra le rovine di un’antica fortezza. La luce del tramonto tinge di rosso le rocce e le ombre danzano intorno a noi. Il mondo sembra vivo, quasi palpabile, come se potessimo sentire ogni singolo granello di polvere muoversi nell’aria. La nostra pelle è percorsa da brividi d’attesa. Abbiamo sentito parlare di questo luogo: leggende narrano di un Re Scimmia, un essere antico che possiede poteri inimmaginabili. Ed è proprio qui, in questo mondo ispirato a racconti mitologici e lontani, che ci ritroviamo, protagonisti di un’avventura che ci cambierà per sempre: Black Myth: Wukong.

L’inizio del mito

Entriamo in scena non come eroi, ma come viaggiatori ignari. Il mondo di Black Myth: Wukong si apre davanti a noi come una storia antica, scolpita nel tempo. Appena avviato il gioco, ci troviamo immersi in un universo che emana mistero. L’ambiente è un intreccio di natura e leggenda, foreste fittissime che nascondono segreti e creature che paiono uscite direttamente dalle pagine del “Viaggio in Occidente”. Durante il Prologo impersoniamo Sun Wukong, il Re Scimmia, la figura mitica e potente che è al centro di tutto. E subito ci rendiamo conto che non è solo un personaggio, ma un simbolo di astuzia, forza e ribellione.

Non appena iniziamo a muoverci nei suoi panni, è come se un potere antico si risvegliasse dentro di noi. Wukong è agile, veloce, e la sua maestria nel combattimento ci lascia senza fiato. Un attacco leggero seguito da una schivata acrobatica e un colpo di bastone devastante: è un balletto letale che trasforma ogni duello in un’opera d’arte. Lo scontro termina apparentemente a nostro svantaggio. Si chiudono gli occhi di un Re Immortale, si aprono quelli di un giovane viaggiatore, che parte per recuperare le reliquie del Re Scimmia. Siamo pronti, ci chiamano “Il Predestinato” e comincia così il nostro viaggio.

Un mondo vivo e pericoloso

Mentre ci addentriamo nel gioco, ci rendiamo conto di una cosa: questo mondo non è solo uno sfondo, è un personaggio esso stesso. La foresta si muove con noi, gli alberi sembrano osservarci mentre ci avviciniamo a un nuovo nemico. Ogni angolo, ogni ruscello, ogni montagna nasconde qualcosa. Black Myth: Wukong ci sorprende continuamente con la sua attenzione ai dettagli. Ci fermiamo per un momento e osserviamo una cascata scintillante, ma sappiamo che dietro quella bellezza potrebbe nascondersi una creatura spietata, pronta a farci a pezzi. Ci torneremo più avanti attratti dalla curiosità.

Le creature che incontriamo non sono semplici nemici: sono manifestazioni mitologiche, ognuna con una propria storia e un proprio scopo. I combattimenti non sono mai scontri banali, ma vere e proprie sfide che ci obbligano a pensare, a osservare, a capire il ritmo della battaglia.

Il potere della trasformazione

E poi c’è il potere che fa del Predestinato un vero e proprio mito: la trasformazione. Non siamo legati a una forma, a un corpo fisso. Possiamo diventare ciò che vogliamo. Questa è la chiave del gioco, il meccanismo che lo distingue da ogni altro titolo simile. Ci trasformiamo in un insetto per spiare un nemico, in una volpe per muoverci più rapidamente o persino in un mostro per combattere alla pari con avversari enormi. Questo sistema ci dà una libertà inimmaginabile, permettendoci di adattarci a ogni situazione, di affrontare ogni sfida con astuzia e ingegno.

Ricordiamo ancora la prima volta che ci siamo trasformati in un piccolo insetto. Era un momento cruciale: dovevamo infiltrarci in una zona nemica. Invece di affrontare decine di guardie, abbiamo scelto di diventare una mosca. Volando inosservati tra le torce e le vie, ci siamo resi conto di quanto questo gioco ci offra soluzioni creative per ogni problema, anche se alla fine siamo costretti a menare le mani. Non c’è mai un solo modo di vincere, e questo rende ogni sfida nuova e affascinante.

Un combattimento che esige rispetto

Ma non possiamo parlare di Black Myth: Wukong senza menzionare il sistema di combattimento, una vera e propria danza tra vita e morte. Ogni colpo, ogni schivata, ogni parata ha un peso tangibile. I nostri avversari non sono lì per farsi sconfiggere facilmente. Ogni nemico ha una propria personalità, un set di mosse unico e, spesso, ci costringe a ripensare completamente la nostra strategia. Se pensavamo di poter avanzare a colpi di bastone e pura forza bruta, ci sbagliavamo di grosso.

Prendiamo, ad esempio, la battaglia contro il Loong Rosso, una delle prime sfide che ci ha fatto capire quanto sia importante rispettare ogni avversario. Ci troviamo in una zona oscura, le stalattiti pendono minacciose sopra di noi. Il Drago emerge dall’ombra, volando, le sue squame riflettono la luce tremolante dell’ambiente. I suoi movimenti sono lenti ma carichi di potenza. Ogni suo attacco è una scossa che ci costringe a spostarci rapidamente. Non si tratta solo di evitare i colpi: è necessario leggere i suoi movimenti, capire quando attaccare e quando arretrare. Abbiamo perso diverse volte prima di riuscire a trovare il nostro ritmo, ma quando finalmente siamo riusciti a schivare il suo attacco mortale e a colpire con precisione, la soddisfazione è stata immensa.

Storia e narrazione: un viaggio epico

Non è solo l’azione a tenerci incollati allo schermo. La narrazione di Black Myth: Wukong è profonda e coinvolgente. Ogni personaggio che incontriamo, ogni angolo del mondo, ci racconta una storia. È un gioco che non si limita a mostrarci la mitologia, ma ce la fa vivere. Sun Wukong non è solo un guerriero, è un personaggio complesso con un passato travagliato, un essere divino che ha sfidato le divinità stesse e che ha cercato la sua redenzione.

I dialoghi sono pochi, ma incisivi. C’è sempre un alone di mistero, come se ogni personaggio sapesse qualcosa che noi ignoriamo, qualcosa che scopriremo solo alla fine del nostro viaggio. Ed è proprio questo che ci spinge a continuare. Non è solo il desiderio di diventare più forti o di sconfiggere nuovi nemici, ma la voglia di scoprire cosa si cela dietro ogni porta chiusa, dietro ogni montagna lontana.

Sogno o son desto?

Black Myth: Wukong è visivamente mozzafiato. Ogni paesaggio, ogni creatura, ogni dettaglio è realizzato con una cura maniacale. L’Unreal Engine 5 dà vita a un mondo che sembra quasi reale. Quando la luce del sole attraversa le foglie di un albero, possiamo quasi sentire il calore sulla nostra pelle. Le animazioni di Wukong sono fluide, dinamiche e ci fanno sentire davvero il peso dei suoi movimenti. Al netto di alcune imperfezioni minime sull’illuminazione ambientale e qualche texture poco definita, ci sentiamo davvero all’interno di un sogno.

Gli effetti visivi durante le battaglie sono spettacolari: il fumo che si alza dai colpi potenti, le scintille che volano quando il bastone del Predestinato colpisce una roccia, il modo in cui l’acqua si increspa quando ci immergiamo in un fiume. È un’esperienza sensoriale che ci trasporta completamente in un mondo lontano.

Immortale

Alla fine del nostro viaggio, ci fermiamo un attimo, il bastone ancora saldo tra le mani. Guardiamo indietro e ci rendiamo conto di quanta strada abbiamo percorso. Black Myth: Wukong non è solo un gioco, è un’esperienza mitologica che ci ha trascinato in un mondo epico, pieno di sfide, misteri e leggende. È un’avventura che mette alla prova la nostra abilità e la nostra intelligenza, ma che ci ripaga con momenti indimenticabili.

Se siete alla ricerca di un titolo che vi faccia sentire parte di una leggenda, che vi faccia vivere l’epica di un mito antico, allora preparatevi a impugnare il bastone e a entrare nel mondo di Black Myth: Wukong. Noi lo abbiamo fatto e non ne siamo più usciti.

Se anche voi volete entrare nella terra delle leggende, potrebbe essere una buona idea prepararsi al viaggio scoprendo qualcosa sull’attrezzatura che avrete.

L'articolo Black Myth: Wukong – l’immortalità di un mito proviene da Animaku.

Piccolo recap

Facciamo un piccolo passo indietro prima di parlare dello spin-off tanto atteso. La prima stagione di Blue Lock, prodotta dallo studio 8-Bit e diretta da Tetsuaki Watanabe, è stata pubblicata sulla piattaforma di Crunchyroll dall’ottobre del 2022 fino a marzo del 2023.

La storia inizia presentandoci il protagonista, Isagi Yoigi, un giovane giocatore di calcio liceale. Un giorno riceve un invito per partecipare al così detto “progetto Blue Lock”, mirato a perfezionare le abilità e le tecniche calcistiche. Con sua grande sorpresa si ritroverà all’interno di qualcosa di molto più grande di quanto si sarebbe aspettato. Sono centinaia i ragazzi chiamati a partecipare al progetto, tuti riuniti in un’enorme struttura, il Blue Lock.

«Dimentica la tua mentalità comune. Sul campo sei tu il protagonista. Considera i tuoi gol la gioia più grande e vivi soltanto per quell’istante! Questo significa essere un attaccante, no?»

Queste le parole di Jinpachi Ego, il creatore del progetto. Il suo obiettivo è rivoluzionare il mondo del calcio giapponese. Come? Plasmando dei piccoli diamanti grezzi per rendere uno di loro il più forte attaccante del mondo. Solo in questo modo la nazionale giapponese potrà davvero cambiare. Per fare ciò deve innanzitutto modificare completamente le fondamenta della cultura calcistica a cui questi ragazzi sono sempre stati abituati.

Egoismo e desiderio di vincere ad ogni costo, queste sono le parole d’ordine per sopravvivere al Blue Lock. Non c’è spazio per sentimentalismi e spirito di squadra, in gioco c’è il tuo futuro nel mondo del calcio. Tra prove fisiche sfiancanti e allenamenti a non finire, la pressione sale e i giovani calciatori sono costretti a superare i loro limiti.

Inizia dunque un’intensissima lotta all’ultimo goal per riuscire a scalare le vette della classifica del Blue Lock e aggiudicarsi il titolo di miglior attaccante del mondo.

Un nuovo punto di vista

Per i fan dell’anime questo spin-off è sicuramente un’occasione per approfondire ulteriormente l’opera e i suoi personaggi. Il film infatti si concentra sulla storia di Nagi, uno dei personaggi della prima stagione tra i più apprezzati dal pubblico. Grazie alla pellicola scopriamo alcuni retroscena sulla sua vita prima di entrare al Blue Lock.

Nagi Seishiro è uno studente del liceo piuttosto anonimo, senza particolari ambizioni. Se lo incontraste per i corridoi del liceo probabilmente lo trovereste incollato ad uno schermo del cellulare, intento a cercare di battere il boss finale del suo videogioco. Di fatto è proprio così che lo incontra Mikage Reo.

Reo si imbatte in Nagi mentre era intento a completare un livello del suo videogioco e per sbaglio lo urta facendogli volare il cellulare giù dalle scale. Con un’agilità e un controllo degni di un grande calciatore, Nagi si lancia dalla rampa di scale e riesce a fermare il cellulare con il piede, senza fargli sfiorare terra.

Reo è esterrefatto, ha di fronte un vero e proprio talento. Non può lasciarsi sfuggire l’occasione, quindi invita subito Nagi ad entrare nella squadra del club di calcio della scuola.

I due ragazzi sono l’uno l’opposto dell’altro. Reo, al contrario di Nagi, è estroverso, ambizioso ed entusiasta, il calcio è la sua passione ma anche motivo di forte scontro con la sua famiglia. Figlio di uno degli imprenditori più ricchi del Giappone, Reo sin da piccolo ha sempre trovato noiosa la sua perfetta vita, senza stimoli né desideri, avendo sempre ottenuto ciò che voleva.

Un giorno realizza di avere un desiderio che neanche tutti i soldi del mondo potevano comprare: vincere la coppa del mondo.

L’incontro con Nagi è per Reo un segno del destino: ha finalmente trovato un degno compagno con cui giocare a calcio. Grazie al talento di Nagi il suo sogno non sembra più così irraggiungibile.

Ben presto anche i due amici si trovano coinvolti nel progetto Blue Lock. Ed è proprio qui che vediamo un punto di vista tutto nuovo rispetto alla storia a cui siamo stati abituati. Il punto di vista e i pensieri di Nagi sono ciò che guidano la narrazione, regalando nuovi spunti di lettura della storia. Infatti nella vita di Nagi, Isagi non è altro che uno dei tanti anonimi partecipanti. Le sue ambizioni sono molto diverse e lo stesso vale per la sua esperienza al Blue Lock.

La nascita di un egoista

La scrittura del personaggio di Nagi riesce a rendere ancora più evidente la nascita della vera passione per uno sport, quella totalizzante e adrenalinica. Di fatto ci viene presentato nella prima stagione e lo spettatore conosce già gli eventi che vengono narrati nel film. Ciò che rende interessante questo spin-off, infatti, è la caratterizzazione psicologica del suo protagonista e lo sviluppo del rapporto tra lui e Reo. Per una buona parte del film Nagi continua a mantenere un atteggiamento pigro e svogliato, nonostante il suo talento naturale.

«È una seccatura»

Questa è la frase che il ragazzo ripete più spesso, il mantra che lo accompagna in tutto ciò che fa. Viene da chiedere allora, cosa lo spinge a continuare ad impegnarsi? Inizialmente il vero motore nella vita di Nagi è Reo, il primo che l’ha spronato e l’ha spinto a superare i propri limiti. Ma può davvero bastare il supporto del suo amico?

L’evoluzione di Nagi si lega a doppio filo, da un lato con il suo rapporto con Reo e dall’altro con il suo incontro con Isagi. Con un’incalzante aumento dell’adrenalina partita dopo partita, lo spettatore sente che qualcosa sta cambiando. Il match tra il team V e il team Z è il punto di rottura che cambierà tutto.

Il film ci regala una nuovissima prospettiva immergendoci nei pensieri di Nagi durante il gioco. La grinta e l’inarrestabile voglia di vincere del team Z fanno scattare qualcosa in lui. Da un sentimento di noiosa indifferenza vediamo nascere un giocatore affamato di vittoria, pronto a divorare i suoi avversari, come un vero egoista. Ecco che nasce la sua passione per il calcio.

Amici o rivali?

Non è un segreto che Blue Lock scardini un po’ i canoni degli spokon andando a ignorare il classico topos dell’amicizia e del gioco di squadra che permettono di superare i momenti difficili. Ma mentre nella prima stagione si parte con Isagi, solo e che abbraccia lo spirito da vero egoista, per poi trovare un contro altare in alcune prove in cui il lavoro di squadra è necessario, nel film il processo è inverso.

Prima ci viene presentata una coppia senza rivali, dotata di grande intesa e sintonia. Ma con il proseguire delle prove e, soprattutto, dopo la battaglia tra i due team avversari, Nagi inizia a non dover contare più sullo spirito propositivo di Reo. Il giovane talentuoso, una volta compresa davvero la sua passione abbraccia a pieno lo spirito del Blue Lock e sceglie di continuare su un sentiero indipendente da quello dell’amico.

Una perfetta rappresentazione di amicizia e rivalità all’interno del mondo sportivo. Reo e Nagi si trovano su due strade diverse, il primo ancora attaccato al sogno di giocare con l’amico, il secondo più realista e cinico pronto a superare chiunque per rivivere quell’euforica passione che gli ha bruciato nel petto.

Insomma Blue Lock-episodio Nagi ci regala, non solo molti retroscena su alcuni personaggi, ma anche una nuovissima prospettiva sui momenti più salienti della prima stagione. Vi consigliamo di approfittarne e andare in sala per godervi il preludio alla tanto attesa seconda stagione che uscirà il 5 Ottobre.

P.s. Vi consigliamo di rimanere seduti dopo i titoli di coda!

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Sembra ieri quando guardammo per la prima volta Crudeltà, primo episodio della prima stagione. Oggi, a oltre cinque anni di distanza, possiamo dirlo: abbiamo assistito all’ultima stagione di Demon Slayer. Non ci saranno infatti altri episodi dell’anime basato sul manga di Koyoharu Gotōge, perché a coprire l’arco narrativo Infinity Castle sarà una trilogia cinematografica. La quarta stagione (L’allenamento dei pilastri) ha invece debuttato su Crunchyroll dal 12 maggio al 30 giugno 2024.

Come considerare gli otto nuovi episodi? Sicuramente veicolano un’atmosfera di quiete, un periodo intermedio che prefigura il caos dell’imminente epilogo; tuttavia, focalizzare l’analisi al titolo dell’arco narrativo – che suggerisce staticità preparatoria – appare riduttivo. Tra stilemi dell’horror, un rinnovato ruolo di Tanjiro, il costante desiderio di guardare al futuro e una lucida analisi del mondo interiore dei nove migliori ammazzademoni, è evidente come L’allenamento dei Pilastri sia molto di più. Senza contare le splendide animazioni dello Studio Ufotable, che raggiungono il picco creativo in concomitanza dell’episodio 04×08 I Pilastri riuniti.

Non tutti sanno che la proiezione cinematografica della prima puntata (Per sconfiggere Kibustuji Muzan) ha debuttato al cinema il 22 febbraio, due mesi e mezzo prima della parte restante. Per un approfondimento dei primi quarantotto minuti dell’arco narrativo, non perdetevi la nostra recensione di Demon Slayer – Verso l’allenamento dei Pilastri.

Tra slice of life e horror

Già il titolo suggerisce come gli otto episodi siano un momento di preparazione, un periodo in cui Tanjiro e gli altri ammazzademoni, più che impegnarsi in scontri sanguinolenti, si preparano a tutti quelli che verranno – e, perché no, si rilassano dopo il terribile scontro con Gyokko e Hantengu nella stagione precedente. Si riscontra quindi una pace generalizzata, durante la quale Inosuke e Zen’itsu non mancano di aprirsi nelle loro esilaranti gag.

Tuttavia, ridurre i nuovi episodi di Demon Slayer a un mero slice of life sarebbe riduttivo. Viceversa, numerosi sono gli elementi che alimentano il climax: basti pensare alla sensazionale scoperta di due Pilastri nel primo episodio, o ai ricorrenti stilemi dell’horror che si rifanno all’estetica gotica da un lato, liminale dall’altro; come se non bastasse, Sanemi Shinazugawa e Obanai Iguro (rispettivamente Pilastri del Vento e del Serpente) testimoniano il risvolto più macabro dell’esercito di Ubuyashiki. Con le loro personalità violente e a tratti sadiche, infatti, sottolineano un’instabilità interna che dev’essere sanata prima della resa dei conti; oppure alimentata, per combattere il nemico ad armi pari? La risposta non è ovvia; di certo, Iguro non mancherà di testare il povero Tanjiro con una prova strettamente legata al concetto…

In tal senso concorrono due elementi: il Castello Infinito, sempre più centrale via via che la narrazione procede; il comparto tecnico dello studio Ufotable, che non si limita a toccare i picchi qualitativi delle stagioni precedenti, ma, al contrario, si spinge ancora oltre in una retata sperimentale con ben pochi precedenti nel mondo della narrazione. Citiamo in particolare l’operazione magistrale e in salsa glitch dell’ultimo episodio, che ha l’ulteriore vantaggio di arricchire le scene già viste nel post-credits precedente.

Mente e cuore dei Pilastri

L’allenamento di Tanjiro procede in questo modo: svolge la sua preparazione sotto l’occhio vigile di un Pilastro, dopodiché, una volta che ha raggiunto un determinato obiettivo – sia esso pratico o più astrattamente filosofico –, procede col prossimo. I nove ammazzademoni più illuminati hanno personalità e tecniche molto diverse, perciò non sorprende che Tanjiro estrapoli insegnamenti da ciascuno di essi.

Una struttura simile ha numerosi vantaggi. In primo luogo, testimonia il cambiamento fisico e psicologico dei Pilastri alla luce delle tre stagioni precedenti. Ci riferiamo in particolare a Tengen Uzui, il quale, sulla scia del suo inconfondibile stile, coglie perfino l’occasione di un Taisho Secret per svelare sorprendenti retroscena sull’Entertainment Distric Arc.

In secondo luogo, approfondisce il loro mondo interiore in un’analisi a trecentosessanta gradi. Il manga di Koyoharu Gotōge e la successiva trasposizione animata, sapientemente, colgono l’occasione per alternare l’allenamento pratico a momenti più intimi che avvengono il più delle volte in un contesto spaziale differente. Così Tokito Muichiro affronta Tanjiro in una sfida a dir poco bizzarra, Shinazugawa Sanemi ha un litigio con una persona a lui cara, Tomioka Giyu svela un segreto risalente ai primi episodi della prima stagione, Himejina Gyomei si apre in un lungo ricordo che eleva la narrazione a picchi inarrivabili. Ma la rivelazione più scioccante arriva da Iguro Obanai!

In terzo luogo – e lo aggiungiamo con tristezza – lo scopo di un’operazione simile appare evidente: aumentare l’empatia del lettore per i nove Pilastri, così da rendere le loro morti ancor più struggenti. In vista di uno scontro totalizzante, in cui nessun personaggio è al sicuro e la possibilità di perire in combattimento come Rengoku è dietro l’angolo, il conflitto interno non può che risentirne positivamente – almeno da un punto di vista narrativo. Per il povero spettatore è tutto un altro discorso…

Tanjiro come guida

Ricordiamo benissimo il primo incontro tra Tanjiro e i Pilastri, quando il giovane protagonista, accusato di difendere un demone, era impossibilitato nei movimenti e costretto ad assistere alle angherie inflitte alla sorella Nezuko. Ora le cose sono cambiate: dopo lo scontro con Daki, Gyutaro, Gyokko, Hantengu e tutti gli altri antagonisti, la reputazione di Tanjiro agli occhi degli altri è drasticamente migliorata.

Le sue esperienze passate, unite agli ottimi risultati durante l’allenamento, alla premura verso il prossimo e ai consigli che non manca mai di dispensare, fanno sì che l’ex venditore di carbone sia un punto di riferimento per tutti gli altri adepti. E non soltanto sul piano pratico, ma anche (e soprattutto) umano. Questo comporta una buona dose di nevrosi per i suoi compagni di allenamento.

«Vuol dire che bisogna avere la sua resistenza assurda per affrontare una Luna Crescente?» pensa un personaggio, mentre un altro aggiunge: «Per noi è impossibile. Affrontare un precedente Pilastro è una roba troppo grossa per noi!» O ancora: «Persone mediocri come noi mi sa che non possono mai capire…» Tuttavia, la dedizione di Tanjiro è talmente alta da superare le difficoltà sulle quali viene applicata e, infine, rovesciarsi nel suo opposto: motivazione. «Ci avete dato speranza!», «Mi allenerò duramente e diventerò più forte!», «Ecco perché ci impegneremo per diventare abbastanza abili ed essere almeno d’aiuto a voi!»

Al contempo, il rinnovato status di Tanjiro gli permette di influenzare perfino il comportamento dei Pilastri: di fronte ai loro comportamenti scostanti e, perché no, inefficaci riguardo il vero obiettivo degli allenamenti, il protagonista cambia le carte in tavola con tatto e gentilezza. Perché sconfiggere i demoni significa non soltanto creare un mondo più sicuro; significa anche vivere nel rispetto reciproco, o nella consapevolezza che vagare con tranquillità insieme ai propri cari, vivere senza scorta ed eliminare il coprifuoco non significhi andare incontro a morte certa. Una visione razzista? Un desiderio di estinguere il problema alla radice, senza considerare soluzioni intermedie? Non proprio, e Tamayo lo dimostra ampiamente.

Guardare oltre

A proposito di Tamayo, un altro tema centrale ne L’allenamento dei Pilastri sono gli studi riguardo la trasformazione in demone. Le ricerche mediche, che avvengono sulla scia della scoperta di Shinazugawa-Iguro, dei resoconti moralistici e delle puntuali direttive del capofamiglia Ubuyashiki, testimoniano la necessità di guardare al futuro pur trovandosi ancora nella situazione critica; anche a costo di immaginare la vita dei posteri dopo la propria morte, se necessario.

Questo significa cambiare il proprio ruolo alla luce delle mutate esigenze. Tengen Uzui, per esempio, dedica le sue competenze all’insegnamento e non più agli scontri in prima linea, mentre Tanjiro realizza quanto le proprie parole e gesta influenzino il resto del gruppo. Senza contare un generalizzato sentimento d’odio: apparentemente negativo, lontano da quell’armonia che i protagonisti alimentano fin dal primo episodio, riuscirà invece a garantire risultati strabilianti. L’importante è non lasciarsi fagocitare da un sentimento così forte, per sfruttare i «crotali attorcigliati nello stomaco nero pece» nel migliore dei modi. Non mancano neppure le trasformazioni vere e proprie, come nel caso di Nezuko e Genya. E non è un caso che Muzan Kibutsuji rifugga dalle operazioni a lungo termine: col suo gesto sconsiderato nel primo episodio della quarta stagione, infatti, avvalora quanto protagonisti e antagonisti siano diversi sul piano morale più che biologico.

La dinamica viene ribadita perfino dal punto di vista spaziale. L’allenamento intrapreso da Tanjiro e dagli altri ammazzademoni è lineare, si basa sulla successione di esperienze, personalità e tecniche differenti per raggiungere uno stato di coscienza sempre maggiore; al contrario, il Castello Infinito è un luogo liminale e uni-direzionale nel quale ogni punto di riferimento viene meno. Sarà proprio in un’incertezza simile che i protagonisti si ritroveranno ad agire, schiacciati da un contesto non congeniale ma esponenzialmente dilatati dai valori pratici e spirituali condivisi finora.

Non ci resta che aspettare la trilogia dell’Infinity Castle per scoprire l’epilogo di questa saga intramontabile. Nell’attesa, sapevate che il gioco Demon Slayer – Sweep the Board è arrivato in Occidente?

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Dopo quasi quattro anni dal finale della quarta stagione, il club di pallavolo del liceo Karasuno è pronto a debuttare nelle sale italiane con il primo dei due film volti a concludere l’adattamento animato del manga scritto e disegnato da Haruichi Furudate.

Arrivato sul grande schermo giapponese nel febbraio 2024, HAIKYU!! The Dumpster Battle si è distinto per il suo enorme successo al botteghino. La pellicola sbarca, invece, nei cinema italiani il 30 maggio 2024, grazie a Crunchyroll e a Sony Pictures Entertainment. Le animazioni sono state affidate alla Production I.G., studio già noto per il suo lavoro nella serie animata.

La serie animata è interamente disponibile su Prime Video insieme al doppiaggio italiano. Il manga Haikyu – L’asso del volley è stato serializzato in Italia a partire dal 2014 fino alla sua conclusione nel 2021 dalla casa editrice Star Comics.

Il gatto e il corvo

Non era affatto una notte buia e tempestosa. Quando Hinata Shoyo incontrò per la prima volta Kozume Kenma, un gatto si aggirava per la strada mentre un corvo volava sereno in un cielo azzurro, macchiato solamente da scarse nuvole bianche. Ignari dell’impatto che l’uno avrebbe avuto sull’altro, le vite dei due studenti si intrecciarono per sempre grazie alla pallavolo.

È rimembrando questo profondo e fondamentale incontro che inizia HAIKYU!! The Dumpster Battle. Molto probabilmente, per coloro ignari delle trame dell’opera originale Haikyu!! risulterà parecchio difficile, se non impossibile, immergersi completamente nel film, nonostante un’iniziale e breve introduzione dei personaggi più importanti.

Infatti, in quanto prosecuzione dell’anime, lo spettatore viene catapultato nel terzo turno del torneo nazionale, dove il liceo Karasuno, protagonista indiscusso dell’intera serie firmata da Haruichi Furudate, ha già affrontato numerose sfide e  ed è ora pronto per la “battaglia all’ultimo rifiuto” contro il liceo Nekoma. “Karasu” significa “corvo”, mentre “neko” indica la parola “gatto”. Sono proprio questi due animali, rappresentativi delle due squadre come suggerito dal nome stesso e affezionati al mondo della spazzatura, a dare il nome all’emozionante scontro tra i due licei.

Per coloro che, invece, sono già a conoscenza della storia di Haikyu!! è possibile tornare ad apprezzare le interazioni uniche tra i personaggi. La rivalità tanto sana quanto violenta tra Daichi e Kuroo, capitani delle due squadre, il modo dolce e premuroso con cui il palleggiatore dei corvi Sugawara supporta la squadra e soprattutto Hinata, l’infinito affetto fraterno che lega i due giocatori del Karasuno Yamaguchi e Tsukishima, il buffo rapporto tra Bokuto e Akaashi del Fukurōdani, fino ad arrivare a quello più bizzarro tra tutti.

La sequenza iniziale pone sotto le luci della ribalta questo rapporto e, di conseguenza, i due protagonisti assoluti del lungometraggio: Hinata, dal liceo Karasuno, e Kenma, dal liceo Nekoma. Caratterizzata da una profonda amicizia silenziosa, l’interazione tra Hinata e Kenma costituisce le fondamenta dell’intera pellicola. Entrambi sperano in un duello finale, dove si gioca per un game over definitivo. Tutavia, è proprio Kenma a dominare lo schermo, a giocare nel ruolo più importante. In quanto “cervello” della sua squadra, dovrà affrontare la serietà del contesto in cui si trova. Chi tra i due soccomberà e, soprattutto, in che modo?

Unicità memorabile

HAIKYU!! The Dumpster Battle spinge lo spettatore a riflettere su tutti quegli aspetti che hanno reso l’opera così popolare e amata dal grande pubblico. Riprendendo e mostrando nuovamente vari momenti già visti nel corso della storia, sottolinea la potenzialità dell’intero universo di Haikyu!!.

Generalmente presentati sotto forma di flashback, questi eventi arricchiscono la narrazione. Essi fungono anche da espediente per accrescere la suspence durante la partita. Infatti, molto spesso intervengono nelle azioni di gioco proprio “sul più bello”, poco prima di un evento cruciale. In questo modo, viene anche evidenziato come le esperienze passate abbiano formato non solo lo stile di gioco dei personaggi, la la loro totale interiorità.

Non mancano ritagli di tempo dedicati all’ilarità. Tendenzialmente accompagnati da uno sfondo semplice e divertente, alleggeriscono con grande maestria la concitata partita. Viene concesso così agli spettatori un breve momento di serenità. Al contempo, fanno risaltare il lato comico dei personaggi e il divertimento che questi provano nel corso del gioco in campo.

Sono proprio questi personaggi a costituire un ulteriore elemento capace di donare ad Haikyu!! il suo odierno successo. Colonna portante dell’intera serie, questo ricco vortice di personaggi principali e secondari è stato in grado di coinvolgere lettori e spettatori di tutti i tipi. Ogni singolo giocatore di ogni singola squadra che entra in contatto con il pubblico possiede caratteristiche uniche e, di conseguenza, riconoscibili. Perciò, nonostante l’immenso numero di individui che popolano il mondo di Haikyu!!, la mente dello spettatore non è in grado di cancellare il ricordo di queste singole personalità, men che meno in occasione di questo attesissimo film!

L’occhio della videocamera

Un’altra tra le caratteristiche di Haikyu!! che ha permesso alla serie di attirare a sé un pubblico così vasto in giro per il mondo è la sua semplificazione rispettosa della pallavolo. Si può dire che è stato in grado di rendere questo complesso sport comprensibile anche a coloro che non si sono mai interessati al gioco e questo lungometraggio non fa eccezione. Con varie tecniche e strategie, all’urlo di un attacco sincronizzato, le squadre semplificano gli schemi di gioco che caratterizzano le reali partite.

Le inquadrature create dalla regia di Susumu Mitsunaka, il quale aveva già diretto le prime tre stagioni della serie animata, sono perfettamente in grado di rendere l’essenza e l’emozione di una partita così importante per il liceo Karasuno. Le animazioni portano la firma della Production I.G. e riprendono lo stile della serie, ispirandosi incredibilmente al tratto di Haruichi Furudate.

Nonostante la coerenza nel riprendere sia la serie che il manga, la qualità delle animazioni sembra procedere ad andamento leggermente irregolare. Alcune sequenze, specialmente le più importanti, mostrano tutta la magnificenza del lavoro della Production I.G., segnando però un distacco tra esse e il resto delle scene. Ciononostante, è importante riconoscere che, anche in questi momenti meno significativi della pellicola, la qualità rimane assolutamente piacevole e apprezzabile.

Inoltre, la continuità nei confronti della serie animata spinge lo spettatore a riflettere sulla necessità di rendere lo scontro tra il Karasuno e il Nekoma sotto forma di lungometraggio. Presa in quanto tale, la narrazione avrebbe potuto essere adattata ad episodi. Tuttavia, la bellezza del grande schermo è stata in grado di far esplodere l’emozione di essere trascinati all’interno del gioco, senza nessun tipo di interruzione. Inoltre, con un’intrigante sequenza post-credit, si apre la strada al prossimo film!

Tutti i singoli elementi tecnici e narrativi della pellicola sono volti ad incrementare l’attesa per la conclusione della partita. Che si sappia o meno il risultato, con concitata impazienza, si alza sempre più l’asticella man mano che ci avviciniamo all’ultimo set, dove tutto è ancora da decidere!

Il cuore del cervello

Se la narrazione è in crescendo, come una scalata verso la vetta della partita, le emozioni provate dai personaggi e di conseguenza dal pubblico sono rivolte nel senso opposto. Con il procedere del gioco, le sequenze scavano sempre più in profondità. Indagano nell’emotività e nella personalità dei giocatori, dove predomina una riflessione accurata sulla vita di Kozume Kenma.

Come detto un precedenza, ogni singolo personaggio ha un proprio modo unico e personale di presentarsi al pubblico e il palleggiatore del Nekoma non fa eccezione. Fin dalle sue prime apparizioni, spicca tra i suoi compagi e il resto dei pallavolisti per la sua flemma persistente. La sua passione per la pallavolo si annida nel profondo del suo cuore, in un luogo che nemmeno lui riesce a vedere con chiarezza.

Attraverso i suoi ricordi, ripercorriamo insieme a lui l’infanzia influenzata dai videogiochi e, soprattutto, dal suo per sempre amico Kuroo Tetsurō. Ora suo capitano, è stato proprio lui l’unico in grado di spingere lo sguardo di Kenma verso una palla, una rete ed un campo da gioco da 9mX18m.

Da questo suo peculiare personaggio, Furudate è stato in grado di tirare fuori un intrigante lato grottesco e orrorifico in HAIKYU!! The Dumpster Battle. Con sguardi inquietanti e metafore spaventose, la sua calma si trasforma in tensione. Mentre tutto questo turbinio di emozioni si sussegue sotto lo sguardo rapito dello spettatore, Kenma è costretto a fare i conti con quel lato della sua anima che ha sempre considerato superficiale, costituito dalla passione per uno sport che si è ritrovato a praticare quasi accidentalmente.

Volate

Se Kenma rappresenta la razionalità e l’intelligenza, Hinata racchiude in sé spensieratezza e gioia incondizionata. Il loro rapporto mosso dalla stima e dalla passione si declina conseguentemente nella relazione tra le loro rispettive squadre. Entrambe sono protagoniste di un costante palleggio tra la pace dei ricordi e la fatica della sfida che da tempo attendevano con ansia.

Infatti, man mano che la partita procede, si apre una seconda riflessione profonda che esula dall’individualità dei personaggi, pur rimanendo ad essi legata a doppio filo. Il gioco che ci viene mostrato non è esclusivamente gioioso e divertente, ma ricalca aspetti dello sport che non sono altrettanto piacevoli. La disperazione per l’errore, la frustrazione dell’opportunità perduta, il desiderio di vittoria e soprattutto la stanchezza. Queste sensazioni riecheggiano nello stadio assieme alle urla della tifoseria.

HAIKYU!! The Dumpster Battle inchioda lo sguardo dello spettatore al centro dell’azione, che sia gioiosa o turbolenta, senza possibilità d’uscita. In questo modo, l’empatia che si va a creare tra il pubblico e i giocatori è tanto forte da rendere sempre più sfocati i quattro angoli dello schermo. Forse, è proprio questa connessione ad aver fatto aggiudicare definitivamente ad Haikyu!! un successo così strepitoso, contribuendo ad aumentare sempre più il numero di tifosi del liceo Karasuno. Le emozioni riconoscibili e reali diventano concrete, coinvolgenti e appassionanti, creando una storia caratterizzata da una pura e affatto scontata umanità.

Voi cosa ne pensate del film? Lo avete visto? Volete recuperarlo? Rende merito alla saga di “Haikyu!!“?
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SPY X FAMILY CODE: White è un lungometraggio animato originale ispirato alle vicende e ai personaggi di SPY X FAMILY, opera di Tatsuya Endo.

Il manga è ancora in corso e pubblicato, in Italia, dalla casa editrice Panini Comics – Planet Manga. Per quanto riguarda invece la serie animata, su Netflix è disponibile la prima stagione, mentre su Crunchyroll è possibile trovare anche la seconda stagione.

SPY X FAMILY CODE: White ha debuttato nei cinema giapponesi il 22 dicembre 2023, prodotto da Wit Studio insieme a CloverWorks e distribuito dalla Toho. Al soggetto originale, opera proprio di Tatsuya Endo, si affianca la regia di Takashi Katagiri e la sceneggiatura di Ichirō Ōkouchi (Kaiju N.8, Code Geass).

Grazie alla distribuzione di Crunchyroll e dalla Sony Pictures Entertainment, la pellicola ha finalmente raggiunto le sale italiane che, a partire dal 24 aprile 2024, hanno portato sul loro schermo una nuova avventura della famiglia Forger!

SI VA A FRIGIS!

La famiglia Forger nasce nel 2019, quando il manga inizia ad essere serializzato su Shōnen Jump+. In una zona ispirata alla Germania durante il periodo della Guerra Fredda, una spia dell’ovest (Westania) si è infiltrata nell’est (Ostania). Sotto il finto nome di Loid Forger, dovrà portare a termine la cosiddetta “Operation Strix”, ovvero costruire una famiglia fittizia al fine di mantenere la pace tra le due nazioni.

È così che incontra Anya, la piccola dotata di telepatia abbandonata da molte famiglie adottive, destinata a “recitare” il ruolo della figlia. La moglie sarà interpretata dall’assassina Yor Briar, mentre l’animale da compagnia diventerà Bond, un dolce cagnone bianco altrettanto singolare. L’unica a conoscere la verità sui membri della famiglia è Anya, che ne ascolta tutti i segreti grazie al suo potere.

In tale contesto si svolgono le avventure di questo bizzarro agglomerato di individui portentosi. Alternando azione, romanticismo, comicità e tanto altro, questa storia ha conquistato, negli ultimi anni, il cuore di moltissimi lettori e spettatori in giro per il mondo. La leggerezza intelligente che caratterizza l’opera di Tatsuya Endo viene portata avanti in questo piacevole lungometraggio.

Infatti, la trama di SPY X FAMILY CODE: White è tanto semplice quanto efficace. Per aiutare Anya a eccellere durante una lezione di cucina, l’intera famiglia si reca a Frigis per assaggiarne il dolce tipico: la stucchevole e invitante meremere. Tuttavia, si ritroveranno costretti ad affrontare una sequenza di eventi misteriosi e pericolosi in cui sono stati involontariamente coinvolti.

Un elemento all’apparenza insignificante ma che rende la pellicola apprezzabile sin dai primi momenti è l’introduzione. Funzionalmente breve, non solo rammenta il quadro generale a chi è già entrati in contatto con la storia, ma soprattutto rende il lungometraggio fruibile a chiunque, anche a coloro ignari delle vicende presenti nell’opera originale. Così facendo, la famiglia Forger apre le porte del loro debutto sul grande schermo ad ogni tipo di spettatore!

LA DONNA SI CHIAMA YOR

Tra tutti i membri dei Forger, la pellicola sottolinea con forza la potenzialità di Yor Briar. Infatti, l’assassina dal cuore dolce tira uno schiaffo agli shōnen dove spesso l’uomo predomina ampiamente nelle scene di battaglia. Con le sue capacità, si fa strada in una trama dove l’azione rappresenta un meccanismo fondamentale per la riuscita del film. Protagonista delle sequenze di combattimento più belle ed emozionanti, si mostra al pubblico in tutto il suo splendore.

La damigella in cima alla torre ha preso un paio di coltelli e ha iniziato a battersi con il drago da sola, perché non solo è in grado di farlo, ma è persino capace di farlo meglio. Tutte le sue caratteristiche individuali la esaltano, la rendono bella e potente, una donna che non vuole essere salvata, ma che vuole comprendere sé stessa il più possibile. Assassina, moglie, madre: tenere in piedi questi tre aspetti della sua vita non dev’essere una facile impresa, eppure si dimostra sempre disposta a dare del suo meglio per proteggere ciò che ama.

Questo lento ma necessario ridimensionamento della figura femminile negli shōnen è supportato anche dalla figura di Anya. Il suo essere così genuina e spensierata la rende amica di molte altre bambine al di là dello schermo. Riconoscendosi in lei, nelle sue reazioni e nella sua quotidianità, accorcia le distanze tra il giovane pubblico femminile e i prodotti tipicamente ed erroneamente pensati quasi esclusivamente per i ragazzi.

Insomma, questa piccola e portentosa protagonista non è affatto da sottovalutare. Con la sua simpatia, colora le vicende di una tinta unica e leggera, rappresentativa di un intrattenimento nuovo e bello per tutta la famiglia. Avvicinando le giovanissime a un mondo che non è fatto di sola azione e combattimenti, ricorda loro il divertimento, la semplicità e la gioia dell’infanzia.

GENITORI E FIGLI

SPY X FAMILY CODE: White presenta chiaramente gli aspetti che hanno fatto innamorare gli spettatori della famiglia Forger. Racchiusi in 110 minuti, tutti gli ingredienti che illuminano dolcemente le vicende narrate si bilanciano tra loro in modo perfetto. Come detto in precedenza, non manca l’azione, parte integrante delle spy stories a cui sia il film che la serie rimangono molto affezionati.

Anche il romanticismo non smette mai di avvolgere calorosamente la gelida Frigis. Affacciandosi timidamente sul rapporto tra Loid e Yor, sottolinea l’inutilità della loro indifferenza reciproca che nasconde dei sentimenti per entrambi tanto ignoti quanto persistenti. Tuttavia, la forma di amore più forte che entrambi fanno fatica a nascondere è quello per la piccola Anya. Soprattutto per il suo bene, la spia e l’assassina imparano a diventare genitori insieme, imparando l’uno dall’altra. In questo modo, tengono unita una famiglia la cui contraffatta facciata è destinata a sgretolarsi sempre più.

La comicità saltella giocosamente da un ambito all’altro, coinvolgendo la totalità degli spettatori. Nel barcamenarsi nella fitta moltitudine dei problemi genitoriali, Loid e Yor danno vita a situazioni assolutamente riconoscibili da qualsiasi mamma o papà presente in sala.

Le (dis)avventure di Anya prendono spunto da un umorismo più leggero e piacevolmente infantile, adatto ai più giovani. Dalla scuola, ai compiti fino al rapporto con gli adulti e, soprattutto, con i suoi due adulti preferiti, vive in un proprio mondo dove la sua fervida immaginazione riesce a connettersi perfettamente con le esperienze dei piccoli spettatori.

Ulteriore sintomo di questa comunicazione ambivalente è la pressione consistente della guerra all’interno della narrazione. Il vero mostro presente in SPY X FAMILY CODE: White, così come nella serie originale, è il conflitto. Gettando una repellente ombra nera sulla vita dei Forger, rammenta ai grandi di orrori passati e, purtroppo, presenti, mentre racconta gentilmente ai più piccoli tutto il male che l’odio porta con sé.

Al cinema si ritrovano così, sedute una accanto all’altra, generazioni diverse. Bambini, adulti, adolescenti e anche famiglie, tutti accomunati dall’amore nei confronti dei bizzarri ma perfetti Forger, condividono tutti insieme un momento all’insegna del divertimento, della leggerezza e dell’amore.

HYGGE

In danese e norvegese viene utilizzata spesso la parola hygge, difficile da tradurre in italiano. Con essa si fa riferimento ad un sentimento scaturito dalla familiarità e dalla comodità, una situazione confortevole che si annida nella quotidianità e nelle piccole cose. Esistono elementi e attività tipiche del concetto di hygge, ma questo termine sembra calzare perfettamente in una qualsiasi descrizione di SPY X FAMILY e, soprattutto, di SPY X FAMILY CODE: White.

Uscito in occasione del Natale 2023, rappresenta un inno a questo periodo dell’anno, considerato il più hygge tra tutti da parte dei danesi. Dalla grande città di Berlint, la famiglia Forger si reca in una Frigis piacevolmente fredda e innevata. I suoi mercatini ricordano fortemente quelli che gli europei sono abituati a vedere nel periodo natalizio, mentre un’aria festosa irradia lo sguardo dello spettatore.

Senza dimenticare mai gli orrori della guerra, non si priva di un abbraccio caldo. Avvolta nella dolcezza, la storia rappresenta un meritato distacco dalla tipicamente agitata atmosfera del concitato mondo degli shōnen. La brezza rinfrescante che scaturisce dalla narrazione riempie l’animo di tranquillità. Il tempo si ferma per qualche secondo, lasciando parlare per sé le immagini confortevoli che si susseguono una dopo l’altra sullo schermo. In questo modo, si crea una sinfonia di hygge, di elementi semplici ma importanti non solo nella pellicola, ma anche nella vita degli spettatori.

Le animazioni coerenti e appassionanti di Wit studio e CloverWorks fanno risaltare il tratto delicato ma sapientemente deciso di Tatsuya Endo, ritagliandosi però uno spazio volto all’originalità. Il doppiaggio italiano è eccellente e, soprattutto, contribuisce ad accomunare gli italiani presenti in sala, considerando che non tutti sono abituati a leggere i sottotitoli.

SPY X FAMILY CODE: White rappresenta una piccola perla da rimembrare nei periodi più freddi. Con una carezza gentile, pone l’accento sull’importanza di apprezzare i piccoli ma fondamentali momenti della vita quotidiana. Una spia gentile, un’assassina tanto dolce quanto letale, una tenera bambina e un soffice amico a quattro zampe, sono pronti a tendere la mano al loro vasto pubblico internazionale per renderlo sempre più parte integrante della loro inusuale e amorevole famiglia!

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Solo Leveling nasce nel 2016 come serie di light novel scritta e illustrata da Chugong, pubblicata sulla piattaforma digitale KakaoPage. Due anni dopo, sulla medesima piattaforma, sbarca quello che diventerà uno dei webcomics più celebri degli ultimi anni, un manhwa omonimo supportato dai disegni di DUBU del Redice Studio. Purtroppo, è stata annunciata la morte di questo iconico artista, avvenuta il 23 luglio del 2022, solo qualche mese dopo la conclusione del progetto.

In Italia, la pubblicazione del manhwa è iniziata il 21 aprile del 2021, grazie alla casa editrice Star Comics.

Il 6 gennaio 2024, è arrivato il primo episodio di Solo Leveling, disponibile sulla piattaforma di streaming di Crunchyroll, in collaborazione con Aniplex. L’adattamento di questa prima stagione in 12 episodi è stato prodotto dalla A-1 Pictures, studio noto per 86 – Eighty Six, Kaguya-sama: Love is War, Blue Exorcist, Sword Art Online e Nier: Automata Ver1.1a.

Il  30 marzo 2024, il mondo ha assistito al finale della prima stagione. Nella recensione dei primi episodi, si era constatato che le alte aspettative maturate nell’animo di tutti gli appassionati potevano ritenersi soddisfatte. Adesso, al termine del dodicesimo episodio, si può decisamente riaffermare il successo della serie!

Semplice ma efficace

In un mondo alternativo ma analogo alla nostra contemporaneità, più di dieci anni prima degli eventi narrati sono apparsi i gate, portali misteriosi dentro cui si celano dungeon e dimensioni sconosciute. Il protagonista Sung Jinwoo vive a Seoul, dove lavora come hunter. Queste nuove figure sono diventate, nell’ultimo decennio, fondamentali per la società. Infatti, insieme all’arrivo dei portali alcune persone hanno sperimentato un “risveglio”, ossia l’acquisizione di poteri invariabili che permettono loro di affrontare le creature che si annidano all’interno dei gate. Questi individui hanno dunque il compito di farsi strada nei dungeon per affrontarne il boss finale. Se non viene sconfitto, il portale si apre, riversando i propri mostri nel mondo umano.

Anche Sung acquisisce nuove capacità che sono, però, estremamente scarse. Definito “l’arma più debole dell’umanità”, rimane spesso ferito durante i combattimenti, senza ottenere molti risultati. Tuttavia, a causa di una traumatizzante esperienza in un inquietante dungeon, entra in contatto con una nuova e potente abilità chiamata Sistema. È questo avvenimento a dare il via all’appassionante storia di Solo Leveling.

La trama originale, in senso lato, viene rispettata nell’anime. Tuttavia, per l’adattamento sono state implementate scelte intelligenti e consapevoli dell’ampia fama del manhwa. Era prevedibile che molti fan si sarebbero precipitati su Crunchyroll a vedere, quantomeno, le prime puntate. Tenendo probabilmente conto di ciò, sono stati aggiunti frammenti di scene che nell’opera originale hanno fatto parte di eventi più tardivi. Così facendo, l’attenzione del pubblico poteva rimanere vivida durante la totale durata della stagione. La regia di Shunsuke Nakashige si dimostra, in questo senso, decisamente azzeccata.

Un evento esemplificativo di questa scelta risiede nell’emozionante sequenza iniziale. Per coloro ignari delle vicende di Solo Leveling, resta un intrigante incipit in medias res, una situazione particolare da scoprire nel corso della serie. Allo sesso tempo, per i lettori del manhwa rappresenta un’incredibile ricordo che aumenta la curiosità nel capire com’è stato gestito l’adattamento di uno degli archi narrativi più sorprendenti. Inoltre, l’introduzione precoce di molti personaggi dona spessore alla trama, che anticipa gradi approfondimenti su di essi mentre soddisfa subito l’impazienza dei lettori nel vedere queste personalità cardine nel vasto universo dell’opera.

Tecnica eccelsa

La sigla, che presagisce combattimenti mozzafiato, non delude. In quanto elemento fondamentale della narrazione, le scene di battaglia soddisfano appieno le aspettative. L’’utilizzo della CGI non interferisce quasi mai con la fluidità dell’azione, sempre concitata e spesso accompagnata dai pensieri del protagonista. Si può dire che la A-1 Pictures e la Production I.G., responsabile della grafica di movimento, abbiano colto in pieno l’idea del combattimento che trasuda dalle tavole di DUBU. I colori sgargianti accompagnano sia le lotte che i momenti di quiete apparente, coinvolgendo lo spettatore in un prodotto curato nei minimi dettagli.

All’ambito tecnico si uniscono le musiche di Hiroyuki Sawano, emblematico artista conosciuto soprattutto per il suo lavoro in Attack on Titan. La colonna sonora segue rispettosamente il flusso delle vicende, focalizzandosi sulle sensazioni da esse scaturite. Nell’adattamento animato di Solo Leveling appare così un nuovo pilastro, pronto a sorreggerne la trama con una piacevole e perfetta coerenza.

Sia la sigla iniziale che quella finale sembrano rappresentare due delle colonne portanti di questa storia. La canzone “LEveL” del gruppo TOMORROW X TOGETHER ne sottolinea la vivacità. Invece, krage canta “request”, una sigla finale che sembra fare riferimento a quelle caratteristiche più introspettive tipiche di Sung Jinwoo. La follia manifestata da questa canzone e, soprattutto, dalle sue immagini a metà tra il reale e l’immaginario, acquista sempre più senso man mano che si susseguono gli episodi, rimanendo però sempre criptica e a tratti inquietante.

Un ulteriore e rimarchevole elemento che contribuisce alla riuscita dell’anime è il doppiaggio. Bisogna riconoscere l’indubbia bravura dei doppiatori originali, soprattutto di Taito Ban, che si è rivelato un ottimo Sung Jinwoo. Incredibilmente versatile, ha ricoperto egregiamente la vasta gamma di emozioni che questo protagonista prova e che, di conseguenza, trasmette agli spettatori. A ciò si aggiunge, come una squisita ciliegina sulla torta, la disponibilità di un soddisfacente doppiaggio italiano. Grazie ad esso, si accorciano le distanze tra l’opera e il grande pubblico in Italia. Ogni spettatore può, giustamente, scegliere in che modo immergersi completamente nelle vicende di Solo Leveling.

Assoluto

La parola più rappresentativa per Sung Jinwoo è “assoluto”. Brevemente accennata nei paragrafi precedenti, la trama di Solo Leveling non risulta particolarmente innovativa. Ciò non significa che non sia avvincente o piacevole, ma al suo interno sono presenti elementi riconoscibili in altre opere vicine al medesimo genere. Dunque, qual è l’elemento che più tra tutti ha catturato l’attenzione di un pubblico così vasto e appassionato?

Probabilmente, la risposta varia da persona a persona, ma una cosa rimane chiara alla totalità di coloro che si sono approcciati al prodotto: Sung Jinwoo è, letteralmente, la star della propria opera. Con la sua unicità, illumina completamente le vicende narrate. Come un amplificatore, esalta tutti gli aspetti più appassionanti del racconto, portandoli al livello successivo.

Se molti elementi rimangono legati a doppio filo con i canoni dell’isekai o dello shōnen, questo personaggio è invece in grado di saltare a piè pari oltre gli stereotipi. Così facendo, arricchisce i tòpoi tradizionali di entrambi i generi. Senza Sung Jinwoo, la trama di Solo Leveling non esisterebbe e viceversa. Infatti, la storia si plasma attorno a lui, modificandosi in modo da favorirlo in quanto centro gravitazionale della narrazione.

Così come la sigla finale si ancora fortemente alla realtà, anche Sung si mostra agli occhi dello spettatore realisticamente. Lasciando scivolare via la tipica benevolenza indiscriminata dei protagonisti di manga e anime rivolti ad un pubblico di giovani uomini, accoglie nel suo carattere nuovi livelli di profondità.

Questo giovane uomo si destreggia in una giocoleria di sensazioni interne che contribuiscono a renderlo sorprendentemente umano. Il dolore, la gioia, la paura, la rabbia e mille altre emozioni si riversano nella sua personalità come un fiume in piena. In questo modo, le sue azioni si rivelano, talvolta, moralmente ambigue e perciò per nulla scontate. Intrappolato in una gabbia di luci e ombre, forgia il suo carattere in un contesto ostile. Le difficoltà che incontra, però, non sono solo circoscritte all’interno dei dungeon, ma si palesano, una dietro l’altra, nella sua vita terrena. Proprio per il suo dualismo e la sua complessità può dirsi, decisamente, un protagonista assoluto, capace di reggere sulle spalle un universo creato appositamente per lui.

Level Up!

Quando esce un anime del calibro di Solo Leveling, le opinioni del pubblico esplodono in mille pezzi, prendendo direzioni tutte diverse tra loro. C’è chi lo ama e chi lo odia, chi ne rimane indifferente, deluso o anche inaspettatamente stupito. Insomma, come per qualsiasi cosa, si possono trovare sia motivi per amare che per odiare questa storia. Eppure, l’adattamento anime è riuscito a sottolineare tutti quei motivi per cui il prodotto è da amare.

Per quanto il personaggio di Sung rappresenti, come detto, il caposaldo dell’opera, non è abbastanza per spiegarne la fama. L’anime ha decisamente aggiunto valori in più alla light novel originale. Le animazioni, la colonna sonora, il doppiaggio, sono tutti elementi apprezzabili, questo è poco ma sicuro. Tuttavia, la ragione per cui Solo Leveling ha fatto il suo successo fin dal suo adattamento manhwa è forse più scontata di quel che sembra: è divertente.

Ovviamente, con questo termine non si fa riferimento alla comicità. È divertente perché quando una trama apparentemente semplice viene trattata come un meraviglioso diamante, allora lo diventa per davvero. Tutti gli elementi si fondono tra loro alla perfezione, mantenendo una coerenza costante nel corso degli episodi. I cliffhanger possono sembrare inizialmente fastidiosi, ma la felicità nel trovare, puntualmente, un nuovo episodio ogni sabato su Crunchyroll per scoprire cos’è successo, fa scomparire i sette giorni d’attesa come se nulla fosse.

Per lo stesso motivo e soprattutto per la qualità tecnica con cui è stata realizzata la serie, si può anche perdonare la presenza del tanto odiato episodio 7.5, riassunto degli episodi precedenti effettivamente superfluo ma altrettanto trascurabile da parte del pubblico.

La trasposizione può dunque dirsi riuscita. È stata in grado di tenere incollati allo schermo appassionati e non, tutti quanti curiosi delle esperienze di Sung Jinwoo. Solo Leveling ci ricorda l’importanza di un intrattenimento puro e semplice, qualcosa in grado di immergere con leggerezza la mente dello spettatore in una storia avvincente. Nella trepidante attesa dell’uscita di nuovi ed emozionanti episodi, possiamo dire che, ogni tanto, ci si può anche divertire!

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L’immersione nelle pagine del manga è totale

In un Giappone sconvolto dal terrore dei kaiju, creature mostruose che spuntano dal nulla per seminare distruzione e morte, “Kaiju No. 8” ci getta nel cuore della tempesta. Qui, le Forze di Difesa anti-Kaiju combattono una guerra senza quartiere contro questi invasori letali, indossando tute potenziate ricavate dai resti delle stesse creature che cercano di annientare. Ma tra le fila dei difensori si cela Kafka Hibino, un uomo comune destinato a diventare il fulcro di una lotta che potrebbe cambiare il destino del mondo intero.

La trama di “Kaiju No. 8” ci trasporta in un vortice di emozioni, intrighi e azione mozzafiato. Seguiamo le vicende di Kafka Hibino appunto, un trentaduenne dal passato oscuro, che si ritrova coinvolto in un destino più grande di lui quando, durante uno scontro con un kaiju, si ritrova improvvisamente trasformato in una creatura mostruosa. Questo evento sconvolgente lo catapulta in una spirale di avventure, tradimenti e segreti sepolti nel passato, mentre cerca di venire a patti con la sua nuova identità e le sue incredibili abilità.

Nel cuore pulsante di “Kaiju No. 8” troviamo una galleria di personaggi indimenticabili, ognuno con le proprie debolezze, ambizioni e lotte interiori. Da Kafka Hibino, l’eroe dal cuore di leone che lotta per superare il suo passato, a Mina Ashiro, il capitano deciso e coraggioso, ogni personaggio è una gemma incastonata in un mosaico di emozioni e conflitti. Attraverso le loro avventure, esploriamo i temi universali della speranza, dell’amicizia e del coraggio, mentre affrontano sfide impossibili e si battono per un mondo migliore. Essendo al centro dell’articolo solamente la prima puntata, è difficile dare un giudizio su questo aspetto, quindi attenderemo le prossime puntate per constatare se questo espediente narrativo introverso prenda piede o meno.

Oltre alla sua trama avvincente, “Kaiju No. 8” brilla anche per lo stile del disegno e delle animazioni, specie per quanto riguarda la lotta contro i mostri giganti, nonostante quelle generali peccano un minimo, il tutto risulta comunque godibile. In questa prima puntata veniamo subito catapultati nel mondo che Naoya Matsumoto ha creato, quindi ricco di dettagli e atmosfera, popolato da creature mostruose e paesaggi mozzafiato.

Trasposizione decente, ma il solito “copia e incolla”

Le animazioni trasformano e trasportano le pagine del manga in un mondo vibrante e dinamico. Grazie allo studio d’animazione Production I.G, ogni scena prende vita con una maestria senza pari, catturando l’energia e l’emozione dei combattimenti contro i kaiju con una precisione sorprendente. I movimenti fluidi dei personaggi, gli effetti visivi mozzafiato e l’attenzione ai dettagli rendono ogni momento un’esperienza indimenticabile: anche se come diciamo dal titolo, ci aspettiamo di più con lo scorrere degli episodi, siamo solamente più clementi solo perché siamo all’inizio, ma il potenziale è alto e le prospettive promettenti.

Lo studio Khara si distingue per il suo eccezionale design dei kaiju, che si stagliano contro lo sfondo con una presenza imponente e spaventosa. Con una cura meticolosa per l’animazione e un’impressionante attenzione all’estetica, “Kaiju No. 8” si distingue come una piccola perla visiva che incanta e affascina il pubblico con la sua bellezza imperfetta.

Un anime che diventerà virale

L’anime di “Kaiju No. 8”  ha una grande responsabilità sulle spalle, anche perché il manga non è solo una storia di successo in Giappone, ma ha conquistato anche il cuore di lettori e critici in tutto il mondo. Il manga è stato nominato per il prestigioso Manga Taishō nel 2021 e ha vinto il Next Manga Award nella categoria web. Con milioni di copie vendute e un seguito appassionato di fan, “Kaiju No. 8” è destinato a diventare un classico moderno, una pietra miliare nel mondo degli anime e dei manga.

Combattimenti spettacolari, ma l’anima dei personaggi è il cuore pulsante della storia

In questa singolare epopea, i protagonisti sono il cuore pulsante della narrazione, trasportandoci in un viaggio emozionante attraverso le loro vite, le loro speranze e le loro sfide. In primo piano c’è Kafka Hibino, un uomo di 32 anni il cui destino si intreccia in modo indissolubile con quello dei kaiju. Sognatore e idealista, Kafka è determinato a proteggere il Giappone dai mostri che minacciano di distruggere tutto ciò che ama. La sua trasformazione in Kaiju No. 8 lo porta su un sentiero pericoloso, ma è la sua forza interiore e il suo coraggio che lo rendono un eroe degno di ammirazione.

Accanto a lui c’è Reno Ichikawa, un giovane di 18 anni il cui spirito ardente e la determinazione incrollabile lo portano ad abbracciare la sua nuova vita come difensore del Giappone. Amico leale e compagno di avventure di Kafka, Reno è un faro di speranza per coloro che lo circondano, dimostrando che anche i più piccoli possono fare una grande differenza. La sua compatibilità con l’arma Number 6 lo rende una forza da non sottovalutare, mentre si batte al fianco dei suoi compagni per un futuro migliore.

Infine, c’è Mina Ashiro, la capitana della Terza Divisione delle Forze di Difesa e amica d’infanzia di Kafka. Forte, determinata e incredibilmente abile nell’uso delle armi da fuoco, Mina è un’icona di coraggio e dedizione. Il suo cannone portatile diventa un’arma potente contro i kaiju giganti, mentre la sua leadership ispira i suoi uomini a dare sempre il massimo. Con il suo impegno incrollabile e la sua forza d’animo, Mina si distingue come uno dei personaggi più memorabili di “Kaiju No. 8”, incarnando lo spirito indomito dei difensori del Giappone.

Insieme, Kafka, Reno e Mina formano un tris di eroi indimenticabili, le cui vite intrecciate ci trasportano in un mondo di avventure, speranze e sfide. Attraverso di loro, esploriamo i temi universali della coraggio, dell’amicizia, del fallimento e della redenzione, mentre lottano contro le forze del male e si battono per un futuro migliore. Con il loro coraggio e la loro determinazione, ci ispirano a credere che anche nei momenti più bui, la luce della speranza brilla sempre.

In conclusione, il primo episodio “Kaiju No. 8” si difende bene e promette un’avventura epica che cattura l’immaginazione e il cuore dei lettori. Con la sua trama avvincente, i suoi personaggi indimenticabili e i suoi magnifici scontri con i kaiju, questa serie è destinata a rimanere nel pantheon degli anime, crescendo esponenzialmente sempre di più, diventando anch’essa, come altre in precedenza, un punto fermo per le generazioni a venire. Preparatevi a immergervi in un mondo di pericoli e avventure, dove il coraggio è la chiave per sopravvivere e la speranza è la luce che guida il cammino: consigliato? Sì, assolutamente.

Dopo questa bella disamina del primo episodio della serie, vi lasciamo alla nostra recensione del manga qui!

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